Los 100 mejores discos de los años 60 (del 10 al 1)

10. The Beatles (1968)

Uno de los discos más famosos de todos los tiempos, el "White album" o "doble blanco", como se le conoce en España, es la obra en la que se pueden ver los primeros síntomas de la separación de los 'fab four'. Hasta aquí todos los discos se han trabajado conjuntamente, en el "Doble blanco" no es así, Lennon, McCartney y Harrison dan muestras de lo que será su trabajo en solitario. Eso sí, los temas que aparecen aquí estarían entre los mejores de la carrera de cualquiera, Lennon entrega "Happiness is a warm gun", "Glass Onion", "Yer blues", "Revolution 1", "Sexy Sadie" o "Revolution 9" un collage en el que se anticipa a su trabajo con Yoko en "Two virgins", McCartney se mueve con soltura en el rock de "Back in the U.S.S.R." y "Birthday", en baladas como "Blackbird" o "Mother nature´s son" o en salvajadas como "Helter Skelter" y George Harrison se confirma como el tapado del grupo con "While my guitar gently weeps" y "Savoy Truffle". Un disco tan increíble que hasta la aportación country-honk de Ringo es más que pasable.

9. The Rolling Stones - Let it bleed (1969)

El último disco publicado en los 60 por los Stones es uno de los mejores de su carrera. A pesar de ser grabado en medio de un periodo confuso, la expulsión de Brian Jones y el fichaje de Mick Taylor, 'Let it Bleed' es uno de los pilares de la carrera de las piedras rodantes. Las aportaciones de Jones y Taylor son esporádicas, aparecen en dos canciones cada uno, lo que da mucho más peso a Keith, artífice de la mayoría de las guitarras del disco. Lo increíble de 'Let it bleed' es que se abre con 'Gimme shelter' y se cierra con 'You can´t always get what you want' pero lo que se encuentra entre medias no desmerece para nada. La versión del 'Love in vain' de Robert Johnson es una de las mejores de su carrera, 'Monkey man' y 'Live with me' son dos subidones de adrenalina, la última además supone la primera grabación con la banda del saxofonista Bobby Keys, que se convertirá un habitual en las giras y grabaciones de la banda. 'Country honk' dará paso a una de las más famosas canciones de la banda, 'Honky tonk women', y 'Midnight rambler' se convertirá en una de las piezas esenciales de sus directos. 'You got the silver', la primera canción cantada en solitario por Keith, es una declaración de amor para Anita Pallenberg, mientras que la canción que le da título, 'Let it bleed', algunos la quisieron ver como una respuesta al proceso de separación de los Beatles y a su 'Let it be'. Lo que es evidente es que, como se dice en el interior de la carpeta, este disco debe ser reproducido al máximo volumen.

8. Led Zeppelin II (1969)

'Led Zeppelin II' comienza con el mítico riff de 'Whole lotta love' y no baja un segundo su intensidad en los casi 42 minutos que dura. Editado solo unos meses después que su debut, el disco se grabó y se compuso en la carretera, utilizando diversos estudios tanto en EEUU como en Inglaterra. Es increíble que suene así de bien pero con Jimmy Page demostrando que puede hacer magia tanto con la guitarra como detrás de la mesa de producción todo es posible. Ayudado por Eddie Kramer, Page saca la varita y le da a los Zeppelin su sonido definitivo, ya sea en la increíble sección del medio de 'Whole lotta love', con el suave sonido acústico de 'Thank you' o con los numerosos riffs que le iban saliendo en las improvisaciones del directo. Claro que el resto de la banda responde a la altura de su líder, Robert Plant comienza a aportar varias de las letras y se suelta la melena como solista, él mismo reconoce que fue a partir de este disco cuando comenzó a disfrutar de su papel en la banda, John Paul Jones vuelve a demostrar su versatilidad y a su increíble bajo funky para 'The Lemon Song' se suma su maravilloso solo de Hammond para 'Thank you', por último, John Bonham se confirma como el corazón del grupo y uno de los dos baterías más importantes del rock (respondiendo el otro al apellido Moon). 'Led Zeppelin II' es el disco con el que el grupo alcanza su mejor versión como se puede ver en las gigantescas, 'What is and what should never be' o 'Ramble on' con las que juegan con la dicotomía entre partes calmadas y ataques de electricidad, o en los increíbles riffs de la citada 'Whole lotta love', 'Heartbreaker', 'The lemon song' o la parte final de 'Bring it on home', la canción con la que demostraban que habían llevado al blues a territorios inexplorados.

7. Van Morrison - Astral Weeks (1968)

‘Astral weeks’ es, sencillamente, el momento álgido de la carrera de Van Morrison, uno de los gigantes de la música popular del siglo XX. Publicado en 1968 es uno de los mejores discos de la historia por derecho propio. Una obra gigantesca en el que se ponía la piel de bardo y mezclaba folk, blues, poesía y músicos de jazz. Y por encima de todo ello su voz, posiblemente la segunda mejor voz blanca de todos los tiempos… por detrás de Elvis. Destacar un momento de un disco que se disfruta mejor como un todo es muy difícil, pero puede que ‘Madame George’ sean los diez minutos de música más gloriosa que haya realizado jamás el ‘león de Belfast’.

6. The Jimi Hendrix Experience - Are you experienced? (1967)

Chas Chandler se llevó a Hendrix a Inglaterra y lo juntó con el batería Mitch Mitchell y el guitarrista, convertido a bajista, Noel Redding. Juntos formaron la Jimi Hendrix Experience, el power trio definitivo. La salida en mayo de 1967 de su primer disco, 'Are you experienced?', supuso llevar al rock a territorios nunca antes conocidos, el sonido de la guitarra de Hendrix se convertiría en el del rock, pero dentro había suficientes pruebas de que el de Seattle era mucho más que un as de la guitarra, estábamos de un compositor muy dotado. 'May this be love' confirmaba lo que ya había hecho un single previo, 'The wind cries Mary', estamos ante uno de los mejores compositores de baladas de la historia. 'Foxy lady' y 'Fire' eran dos trallazos del Hendrix más salvaje, 'Red house' y 'Remember' le veían homenajear sus raíces blues y soul, y 'Are you experienced' y 'Third Stone from the sun' llevaban el blues del Delta al espacio exterior.

5. The Velvet Underground & Nico (1967)

No se me ocurre una banda, más allá de los Beatles, más influyente que la Velvet, y no estoy hablando de gustos, de importancia o de ventas. Si Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker no hubiesen sacado su primer disco, 'The Velvet Underground & Nico', la historia del rock hubiese sido totalmente diferente. La leyenda dice que la Velvet solo vendió unos cientos de discos pero que cada una de las personas que los compró formó una banda. Como bien sabe John Ford, aunque sea mentira, cuando la leyenda se convierte en hechos, imprimimos la leyenda. Posiblemente el disco más revolucionario de la historia, la Velvet Underground entrega un disco de difícil catalogación en su momento, estamos en 1966 y estos chicos no hacen folk rock, ni psicodelia, ni cantan al amor libre y al poder de las flores, tampoco están experimentando con ácido, es más la droga que corre por las venas de Lou Reed se llama heroína y él está esperando a su hombre para comprarle una dosis más. En su momento pasa sin pena ni gloria, a pesar de su conexión con Warhol, el álbum apenas vende unas pocas copias, es el verano del amor y la gente no quiere oír historias sobre putas, yonquis y las cloacas de la gran manzana, tampoco están acostumbrados a una música que parece provenir de otro planeta, es difícil encontrar algo parecido a lo que hacen. John Cale proveniente de la música clásica reviste las canciones con el sonido de una viola desafinada, Maureen Tucker aporrea la batería monocordemente, y Lou y Sterling Morrison enzarzan sus guitarras. Aquí están también algunas de las mejores composiciones de Reed, “Sunday Morning”, “Femme Fatale”, “Venus in furs” o “Heroin”, pero tiene el valor añadido de ser el disco del que provienen miles de bandas del futuro. La leyenda que la Velvet se convirtió en la banda más aclamada por todos los movimientos alternativos posteriores a ella, y es que este es el inicio del punk, del noise o del indie...

4. The Beatles - Sgt. Pepper’s lonely hearts club band (1967)

En 1966 Brian Wilson había publicado "Pet Sounds" un disco irrepetible en el que sacó el máximo partido a un estudio de grabación. Los Beatles, en concreto Paul, cayeron fascinados por el reesultado y decidieron hacer un disco para superarlo. Después de una estancia en EEUU donde había descubierto grupos psicodélicos como Chocolate Watch Band o Big Brother & The Holding Company llegó con la idea de realizar un disco encubiertos como la Banda de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta. La idea no fue más allá de las dos versiones del tema que le da el nombre y el "With a little help from my friends" cantado por Ringo/Billy Shears. Sin embargo el resultado fue el disco más famoso de la historia, la obra más ambiciosa de los de Liverpool, el disco que dividió la historia del rock en un antes y un después. Sgt. Pepper´s fue el fruto de más de seis meses de trabajo en el estudio, en el que los cuatro de Liverpool y su productor, George Martin probaron todo lo que les permitía la tecnología del momento, metiendo todo tipo de instrumentos y utilizando la mesa de mezclas como uno más. Pero todo esto no sería más que una anécdota si no hubiese canciones, aunque teniendo el mejor dúo compositivo de la historia esto resulta imposible, así que Lennon y McCartney tienen en este disco otro amplio muestrario de su talento, el disco empieza con la canción que le da título, la presentación de la Banda del Sargento Pimienta, es un rock áspero de guitarras distorsionadas en el que McCartney se luce con voz desgarrada, la canción engarza con "With a little help from my friends", la mejor canción que nunca haya cantado Ringo, la presentación de Lennon es "Lucy in the sky with diamonds" una canción lisérgica y surrealista que tiene uno de los mejores estribillos de la historia, así una tras otra hasta el maravilloso final "A day in the life", última colaboración real de Lennon y McCartney, que pone broche de oro a un disco perfecto.

3. Beach Boys - Pet Sounds (1966)

“Pet Sounds” viene firmado por los Beach Boys pero es uno de los discos más personales que conozco, su autor es prácticamente en exclusiva Brian Wilson, él es el compositor, el productor, el arreglista... Cada segundo de “Pet Sounds” ha sido desarrollado previamente en el inestable cerebro de Brian, los Beach Boys sólo son utilizados aquí como cantantes, los instrumentos son tocados por músicos de sesión experimentados que reciben instrucciones por parte de Brian para tocar de una u otra forma. En la génesis de este disco está “Rubber Soul” de los Beatles, cuando Brian lo escuchó y vio un disco entero sin material desechable, con un grupo desarrollándose en el estudio, decidió que él tenía que hacer un disco mejor, abandonó las giras del grupo y se dedicó por completo al trabajo en el estudio de grabación, siguiendo la estela de Phil Spector, se familiarizó con las mesas y comenzó a investigar. Sus compañeros de los Beach Boys no lo vieron nada claro, “Pet Sounds” no era un disco de sol y playa, además sus melodías eran mucho más complicadas y menos pegadizas que sus anteriores éxitos, pero Brian exprimió a fondo su cerebro y pudo dar a luz esta joya barroca que ennoblece a la música rock. Entre sus canciones no se encuentra 'Good Vibrations', la cima creativa de Wilson, pero podemos disfrutar igualmente con 'Wouldn´t it be nice', 'Caroline no' o 'God only knows' cimas inalcanzables de estos Sonidos de Mascotas.

2. The Beatles - Revolver (1966)

"Revolver" es el disco más representativo del grupo más importante que dio la música del Siglo XX y con esto ya está dicho prácticamente todo. Y pienso que es el más significativo porque está encuadrado en la época más creativa de los de Liverpool, su antecesor es "Rubber Soul", el inicio de su búsqueda de nuevos sonidos en el estudio, y su predecesor, "Sergeant Pepper´s", la obra que marcó un antes y un después en la historia del rock. En "Revolver" encontramos 10 canciones compuestas por el tándem Lennon-McCartney, 5 para cada uno, dos talentos únicos luchando el uno contra el otro por hacer la mejor canción, así si McCartney escribe esa gema barroca que es "Eleanor Rigby", Lennon responde con "Tomorrow Never Knows", una canción que se adelanta unos treinta años a su época También está la explosión creativa del tapado del grupo, George Harrison, que aporta otras tres creaciones, entre ellas "Taxman" y por último, otra canción de Lennon y McCartney escrita para el entrañable Ringo Starr, "Yellow Submarine", una broma que delata el magnífico sentido del humor de los cuatro fantásticos. La perfecta vitamina contra la depresión, el disco de los cielos azules, una golosina pop, todo esto, y mucho más, es "Revolver".

1. Bob Dylan - Highway 61 revisited (1965)

Las surrealistas imágenes de 'Bringing it all back home' encuentran su fondo sonoro perfecto en 'Highway 61 revisited', con una banda de rock en plena forma, en la que destacaba el gran Mike Bloomfield a la guitarra, Dylan se saca de la manga el mejor disco de su carrera, nueve composiciones perfectas que van desde el arrolador inicio de 'Like a rolling stone', propulsada por el órgano de Al Kooper, hasta la poética incursión en el camino de la desolación, los once minutos más bellos del largo cancionero dylanita. Entre medias los blues de la lápida se mezclan con los aullidos a la luna del blues de Pulgarcito, Joan Baez se lleva un recadito y la autopista 61 se llena de imágenes apocalípticas que confirman a Dylan como el nuevo gurú del rock, un flautista de Hamelín que se convertirá en el espejo de las estrellas actuales, Beatles y Stones, y por venir, Hendrix o Bowie. Y es que 'Highway 61' es la encrucijada del rock, la mayoría de edad de una música que a partir de este disco podrá hablar de cualquier cosa, Dylan se pasa definitivamente al rock desafiando los gritos de traidor y de Judas. Es en este disco donde Dylan encuentra por fin su sonido, donde decide no imponerse ataduras de ningún tipo, donde encuentra su auténtica personalidad, donde sus letras se agudizan, olvidando la candidez folk por crípticos paisajes surrealistas. Highway 61 se abre con 'Like a rolling stone' y se cierra con 'Desolation Row', pocos discos tienen un mejor inicio, ninguno tiene un mejor final, posiblemente se trate de las dos mejores canciones de Dylan, pero lo que se encuentra entre las dos no las desmerece y con esto nos podemos hacer una idea del nivel general. Aquí están el blues de 'It takes a lot to laugh it takes a train to cry', la cínica 'Ballad of a thin man' o la increíble 'Just like Tom Thumb´s blues' (podría ser la tercera mejor canción de su repertorio). Highway 61 es un disco casi grabado en directo, con todos los músicos tocando a la vez, mirándose a los ojos y sintiendo que están realizando magia. Un momento irrepetible, emparentado con “Bringing it all back home” y “Blonde on Blonde” junto a los que forma la mejor trilogía de la historia, incluidas la del Padrino y la de las Galaxias.