Después de repasar los 50 mejores discos de lo que llevamos de década (2010-2014), los 100 mejores discos de los años 60, 80 y 90 llega el momento de repasar los mejores discos de la década más excesiva, para lo bueno y para lo malo, del siglo XX. Los años 70 son la evolución lógica de la anterior década, el rock and roll se convierte en un circo y las estrellas se convierten en actores, la industria mueve ficha y comienza a crear sus propias estrellas, las estrellas de rock pasan de ser proscritos a codearse con la jet set. La década de los 70 es de las más controvertidas pero, a la vez, la más rica que ha dado la música del siglo XX. Fueron diez años en los que la música popular fue capaz de crear algunas de sus mejores páginas y a la vez caer en los peores estereotipos que se la achacan, pero sin duda es el momento en el que la música popular alcanzó su mayoría de edad, Bowie lideró la década y varias revoluciones, Marvin Gaye puso la vista en el ghetto, Neil Young nos convenció de que "el rock and roll está aquí para quedarse" y Bob Marley dio voz al Tercer Mundo. Los 70 tienen muchas más de 100 obras maestras pero éstas son las 100 elegidas.
En 1972 Mott The Hoople era una banda de 'hard rock' al borde de la desaparición, tras cuatro discos sin apenas repercusión comercial, los de Ian Hunter se enconraban tocando en medio de una gasolinera medio abandonada de Suiza cuando decidieron que hasta allí habían llegado. Pero a su vuelta a Inglaterra se encontraron con que un fan muy especial tenía un regalo para ellos. David Bowie, en plena fiebre Ziggy Stardust, se había enterado de los planes de la banda y les ofreció una de sus mejores canciones, 'All the young dudes'. De repente los Hoople eran la nueva sensación, catalogados dentro del 'glam rock'. Pero su cantante y líder, Ian Hunter, no olvidaba los duros tiempos pasados, 'Mott', su primer disco tras el éxito conseguido con el disco producido por Bowie, veía a una banda hablando de la cara menos glamurosa del rock and roll, la de los perdedores con incontables horas en la carretera ("el circo del rock and roll está en la ciudad"). El disco es un prueba de que Mott The Hoople es una de las grandes bandas de rock de la historia, a pesar de no contar con la fama de otras, y si no escuchen la gloriosa 'All the way from Memphis', con un increíble solo de saxofón de Andy McKay de Roxy Music, para probarlo.
99. The Specials (1979)
De entre los muchos placeres que trajo la 'Nueva Ola' el resurgimiento del ska, con sellos como 2 Tone fue uno de los más divertidos. Grupos como Madness, The Selecter y, por encima de todos, los Specials. El debut de los de Jerry Damners sigue siendo el mejor referente del movimiento. Producido por Elvis Costello contiene sus icónicas versiónes del 'A message to you Rudy' de Dandy Livingstone (con el icónico solo de trombón de Rico Rodríguez que también tocaba en la original) y el 'Monkey Man' de Toots & The Maytals, además de varios originales que pasaron a convertirse en clásicos por cuenta propia como 'Nite klub', 'Blank Expression' o 'Too much too young'.
98. Bob Dylan – Desire (1976)
El disco que sirvió de banda sonora a los conciertos de la Rolling Thunder Revue, un Dylan maquillado y con la mejor voz de toda su carrera, embarcado en el caos de su reciente divorcio ('Sara'). Musicalmente destaca la utilización del violín de Scarlet Rivera y los duetos con Emmylou Harris. Entre las canciones 'Isis', 'One more cup of coffee' y uno de sus grandes clásicos 'Hurricane'.
No es de extrañar que Badfinger fuera la primera banda que firmaran los Beatles para Apple, los de Pete Ham eran un grupo con potencial para ser considerados sus herederos. Su amor por la melodía y el rock hicieron de ellos uno de los pioneros de lo que se conocería como 'power pop', siendo el 'No matter what' que aparece en este disco, uno de sus ejemplos más perfectos. Modelados a imagen y semejanza de los 'Fab Four', en Badfinger componían, y cantaban, todos sus miembros, aunque Ham destacaba sobremanera. Aquí compone el brillante inicio y cierre del álbum, 'I Can't Take It' y 'We're for the dark', además de sus dos canciones más recordadas, la ya nombrada 'No matter what' y la célebre 'Without you' que Harry Nilsson llevaría a la cima de las listas al siguiente año.
96. Wire - Pink flag (1977)
En el mismo año en el que se produjo la explosión punk, 1977, algunos grupos ya estaban llevando el género a unos límites distintos de los de su versión estándar, la música de los Ramones, en lo que se terminaría conociendo como post-punk. 'Pink flag' de Wire es uno de los primeros, y más significativos, ejemplos de este movimiento. Compuesto por 21 canciones que llegan a unos 35 minutos de música, sus surcos dan para mucho, desde adelantar el movimiento hardcore y el 'indie', Minor Threat y R.E.M. están entre los grupos que han bebido de sus fuentes, hasta "prestarles" uno de los riffs más míticos del 'britpop' a Elastica con la genial 'Three girl rhumba'.
95. The Modern Lovers (1976)
Uno de los discos de culto por excelencia, 'The Modern Lovers' fue grabado entre 1971 y 1972 por una banda de adolescentes liderada por Jonathan Richman, en la que también se encontraban futuros miembros de los Talking Heads y los Cars. Producido por John Cale, la música de los Modern Lovers estaba fuertemente influida por el ex grupo de su productor, la Velvet Underground, con canciones con pocos acordes y las personales letras de Richman ("A Pablo Picasso nunca le han llamado gilipollas, por lo menos nunca en Nueva York", basada en los múltiples rechazos de Richman tras intentar ligarse a alguna chica en el MOMA). El resultado no vio la luz en su momento y para cuando lo hizo, la banda ya estaba separada hace tiempo y Richman se había pasado a la guitarra acústica. Aun así, el resultado, editado 4 años después de su grabación, fue un soplo de aire fresco y sirvió de modelo para múltiples bandas del punk y la Nueva Ola.
94. Roxy Music - For your pleasure
El segundo disco de la banda de Brian Ferry, último en el que aparece Brian Eno, es el mejor de todo su catálogo. Desde los momentos más movidos con 'Do the strand' y 'Editions of you', en un nivel similar al 'Virginia plan' de su primer disco, hasta la escalofriante quietud de 'In Every Dream Home A Heartache', pasando por la extraña 'Bogus man', que podría haber aparecido en algún disco de Can, o 'Beauty Queen' y 'Grey Lagoons' en las que dan rienda suelta a su particular amor por la música de los 50, 'For your pleasure' confirma que la Roxy era la banda más original dentro del 'glam', la que tenía una personalidad más propia, con cada miembro aportando cosas, con los originales solos de Andy McKay al saxo y Phil Manzanera a la guitarra, los futuristas sintetizadores de Eno y las formas de 'crooner' moderno de Ferry.
Uno de los discos más desnudos y desprovisto de adornos de la historia, Lennon anuncia al mundo que el sueño de los Beatles ha acabado y que ahora solo cree en él... bueno, en Yoko y en él. Un disco que sirve de terapia al músico con alguna de las letras más personales de toda su carrera. Musicalmente se abre y (casi) se cierra con dos de las mejores canciones de su carrera, 'Mother', donde reconoce los traumas causados por el abandono y muerte de su madre, y 'God', donde pone punto final a los Beatles ("fui la morsa pero ahora solo soy John"), entre medias hay 'blues rock' crudo en 'I found out' o 'Well well well', odas en modo cantautor acústico, 'Working class hero' o baladas más clásicas como 'Love' y 'Isolation'.
92. Kraftwerk – Trans Europa Express (1977)
Decir que 'Trans Europa Express' es el disco más influyente de la década puede sonar exagerado pero no está muy lejos de ser realidad. Los alemanes se alejan definitivamente del 'krautrock' de sus inicios y se decantan por los ritmos electrónicos y mecanizados, además de unas voces también manipuladas mecánicamente, dando como resultado el primer gran disco de electrónica de la historia. Bowie, Eno, Joy Division e, incluso, el naciente movimiento del hip-hop prestarán oídos y servirán para difundir la música de los robots alemanes al resto del mundo. Unos robots que, en opinión de uno de los fundadores del hip-hop, Afrika Bambaataa eran "muy 'funkies'", algo que utilizaría cuando cogió prestado parte de la canción titular para el seminal 'Planet rock'. Claro que si se habla de discos seminales no se puede olvidar este disco, los 80 estarán siempre en deuda con Kraftwerk y 'Trans Europa Express'.
91. Carole King – Tapestry (1970)
La historia de Carole King es una de las más extrañas de la historia de la música popular. En 1958 grabó su primera canción, escrita también por ella, pero no tuvo especial éxito. Casada un año después con Gerry Goffin, la pareja comenzó a escribir canciones para otros mientras tenían otros trabajos diurnos. El éxito de 'Will you love tomorrow?' de las Shirelles les convirtió en profesinales y durante los 60 escribieron varias de las canciones más recordadas de la década, gemas como '(You Make Me Feel Like) A Natural Woman', 'Chains', 'The Loco-Motion', 'I'm into Something Good' o 'Goin´ Back'. Tras su divorcio de Goffin, se mudó a Laurel Canyon en Los Ángeles, un lugar que se había convertido en la capital mundial del sonido de los cantautores maericanos. Allí conoció a Joni Mitchell y James Taylor que la animaron a grabar su propia música. Tras un primer disco llamado 'Writer' King sacó su obra más conocida en 1971, 'Tapestry'. Un disco que la confirmaba como maestra del sonido Laurel Canyon y como una de las compositoras más importantes de su tiempo, incluyendo versiones de sus antiguos éxitos como el 'Will you love tomorrow?' o el '(You Make Me Feel Like) A Natural Woman', además de varias originales como la 'soulera' 'I Feel the Earth Move', la redonda 'It's Too Late' o el 'You've Got a Friend' que se convertiría en un éxito para su amigo James Taylor. Claro que esta vez el éxito también fue compartido siendo 'Tapestry' el disco de una artista femenina que más tiempo ha pasado en el número 1 de las listas estadounidenses.
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