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Las 20 mejores películas de los años 70 (del 10 al 1)
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Las 20 mejores películas de los años 70 (del 10 al 1)

miércoles 21 de abril de 2021, 11:33h

Tras repasar las décadas de los 50 y los 60, llega el turno de echar una ojeada a una de las décadas más convulsas y creativas del siglo XX cinematográfico, los años 70. Tras el éxito de películas como 'Bonnie & Clyde' o 'Easy Rider', una nueva generación de cineastas tomaría el mando en Hollywwod quitándosela a los grandes dueños originales, estamos ante el momento de la historia en la que la Meca del cine tomaría más riesgos en su historia, rodando el cine más político, más comprometido y más social de su historia, un periodo que llegaría a su fin desde dentro, cuando dos de sus componentes, como Steven Spelberg y George Lucas, le mostraran a la industria como ganar dinero con franquicias, y otro, Michael Cimino, con el fracaso comercial de 'La puerta del cielo', casi lleva a la ruina a United Artists... Pero ahora es el momento de repasar nuestras 20 películas favoritas de aquellos años (del 20 al 11):

10. La noche americana (1973)



Puede que 'Los 400 golpes' fuera la más influyente, puede que 'Jules y Jim' la más apasionada, pero si tuviera que quedarme con una única película de François Truffaut lo haría con 'La noche americana', la carta de amor al cine del director que más amó a ese arte. Un sentimiento que pone en boca de una de las actrices de esta película: "Yo, por una película dejaría a un hombre, pero por un hombre nunca dejaría una película."

9. Manhattan (1979)



Woody Allen es mucho más recordado como guionista que como director, de sus películas generalmente se recuerdan frases más que imágenes, bueno, menos en esta maravilla, rodada en blanco y negro, llena de momentos tan icónicos como el maravilloso inicio bajo los sones del 'Rapshody In Blue' de Gershwin o ese momento con los protagonistas sentados en el banco frente al gigantesco puente de Brooklyn que, posiblemente, haya hecho más por el turismo neoyorquino que sus queridos New York Knicks...

8. El espíritu de la colmena (1973)



Buñuel es el director español más transgresor y original, Berlanga el que mejor ha sabido definir el caracter de este país, pero si tuviera que elegir a otro director para completar el podio de gigantes de nuestro cine me quedaría con Víctor Erice, posiblemente el director más poderoso visualmente que haya dado el cine español. 'El espíritu de la colmena' es su obra maestra definitiva, una película en la que se combina la triste y gris realidad de la posguerra en España, con la poderosa imaginación de una niña de seis años fascinada tras la visión de 'Frankenstein'. Puede que no exista un plano cinematográfico más puro en el cine que los ojos de Ana Torrent mirando fascinados la proyección de la película de James Whale.

7. La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva esperanza (1977)



El inicio de todo, uno de los tríos protagonistas con más química y carisma de la historia, la Estrella de la Muerte, Darth Vader, Alec Guinness haciendo de Obi Wan y hasta Peter Cushing. George Lucas coge los folletínes de su infancia, tipo Flash Gordon, los mezcla con un poco de Kurosawa, otro poco de 'Lawrence de Arabia', unas gotas de John Ford (hay una escena sacada de 'Centauros del Desierto') y unos efectos que siguen funcionando a día de hoy, y crea una película que es pura diversión, dos horas que aguantan decenas de revisiones, sin dejar nunca de poner una enorme sonrisa en todos los niños de todas las edades (de 5 a 120) que las disfrutan.

6. Tiburón (1975)



'Tiburón' es un perfecto ejemplo de cómo un director puede coger un material no especialmente prometedor y convertirlo en uno de los grandes clásicos de todos los tiempos. Con un argumento que se puede resumir en dos frases, un tiburón aterroriza una playa, hay que acabar con él, el creador de 'E.T.' crea una auténtica revolución. Spielberg demuestra ser un genio a la hora de jugar con el espectador y hacer que se crea todo lo que sale en pantalla. Siguiendo el ejemplo del gran Hitchcock, crea el mayor suspense al no mostrarnos durante una gran parte de la película al tiburón, solo las consecuencias de sus acciones y una banda sonora terrorífica, cortesía del maestro John Williams. Spielberg, como el escualo, juega a su antojo con los espectadores que no saben cuando les va a sorprender en la siguiente escena. Con muy pocos elementos, Spielberg se inventa lo que conocemos como 'blockbuster' y hace que a toda una generación le vengan malos pensamientos al poner un pie en el mar.

5. Annie Hall (1977)



'Annie Hall' es una comedia pero inaugura eso que se conoce como el periodo serio de Allen, y es que hasta este momento Allen era un cómico que hacía películas (algunas muy buenas, como 'La última noche de Boris Gruschenko') pero, a partir, de este momento se convierte en un cineasta total. La película cuenta con un fuerte elemento autobiográfico, lo que le da mucho más peso emocional. 'Annie Hall' se realizó poco después de la ruptura entre el director y su actriz principal, Diane Keaton, la que había sido su musa desde el principio de su carrera. Es una película que conjuga a la perfección los grandes temas que siempre le han preocupado, la muerte, el sexo, el arte, la filosofía o el amor. Una filosofía que resume a la perfección en ese monólogo que abre la película: "la vida está llena de soledad, miseria, sufrimiento, tristeza y, sin embargo, se acaba demasiado deprisa".

4. Taxi Driver (1976)



'Taxi Driver' es la película que encumbró definitivamente a Martin Scorsese y a Robert de Niro. Se trata de una de las mayores obras maestras del cine, una en la que dirección, actuación y guión rozan la perfección. El responsable de lo último, Paul Schrader, puso mucho de sí mismo en el personaje principal, Travis Brickle, ese antihéroe al borde de la depresión y la locura, una bomba de relojería a punto de explotar en un Nueva York decadente y cercano al infierno. Eso sí, la frase más conocida de la película, ese "You talkin' to me?" que Brickle se dice a sí mismo en el espejo no fue escrita por Schrader sino improvisada por un De Niro en estado de gracia. Pocas películas reflejan mejor el 'zeitgeist' de una época, llena de claroscuros y antihéroes, y un país, todavía traumatizado por Vietnam y el Watergate, como 'Taxi Driver' y el EEUU de mediados de los 70.

3. Apocalypse Now (1979)



Pero si tenemos que hablar del hombre que definió los 70 cinematográficamente como ningún otro, entonces llega el momento de hablar de Francis Ford Coppola. El gran proyecto de su carrera fue rodar 'Apocalypse Now', una adaptación de 'El corazón de las tinieblas' de Joseph Conrad ambientada en la Guerra de Vietnam.. El infernal rodaje en Filipinas se alargó durante tres años, incluyendo tifones, un ataque al corazón de su protagonista, varias crisis nerviosas y el hecho de que los helicópteros del ejército filipino se dieran la vuelta en pleno rodaje para atacar a la guerrilla. Pero para cuando el infame titular de “Apocalypse when?” ya era una broma recurrente en la prensa, Coppola entregó el filme (anti)bélico más grande de la historia. Lo que ya había logrado antes con 'El Padrino', entregar una película superior a su fuente literaria, lo vuelve a hacer ahora, y eso que esta vez parte de una obra maestra de fuente original. Coppola logra dar vida al horror y convierte a la guerra en el escenario perfecto para los locos y desquiciados, los únicos capaces de sobrellevar su vileza. Fue su cuarta obra maestra seguida y cerraba uno de los periodos creativos más importantes de la historia del cine, posiblemente el que más.

1. y 2. El padrino (1972) / El padrino. Parte II (1974)



Y es que, antes de rodar 'Apocalypse Now', Coppola se había convertido en el cabecilla de su generación, conocida como 'moteros tranquilos y toros salvajes' gracias al libro de Peter Biskind, rodando dos de las cinco mejores películas de todos los tiempos. A estas dos películas les dediqué un amplio reportaje, que invito a leer, y del que rescato algunas apreciaciones:

"Lo que hizo Coppola con 'El Padrino' fue llevar un libro bastante normalito a alturas 'shakespearianas' (...) Coppola nos muestra una película sobre una familia concreta pero, desde el pimer segundo, vemos que con ello hace un friso ambicioso de todo un país, EEUU. No en vano la película se abre sobre un fondo en negro y estas palabras: "Yo creo en América" (...) Hablar sobre interpretaciones, dirección o puesta en escena, en una película perfecta está de más. 'El Padrino' lo es."

"¿Se puede superar la perfección? Evidentemente no, pero se puede igualar y eso es lo que hizo Coppola con la segunda parte de 'El Padrino' (...) Michael se queda sentado solo en la mesa con sus firmes convicciones e ideales y luego pasamos al Michael actual sentado también solo en una silla, aunque esta vez sus firmes convicciones e ideales ya no están. Es una figura trágica a la altura de un Ricardo III."

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