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Las 20 mejores películas de los años 90 (Del 20 al 11)
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Las 20 mejores películas de los años 90 (Del 20 al 11)

martes 05 de octubre de 2021, 11:18h

Tras repasar las décadas de los 50, los 60, los 70 y los 80, llega el turno de echar una ojeada a las mejores películas de los años 90, una década en la que el cine se vuelve más autoreferencial y posmoderno, y en la que conviven cine comercial e independiente pero muchas veces tendiendo puentes entre ellos, con directores surgidos del segundo convirtiéndose en grandes estrellas y películas con amplios presupuesto presentando historias que no insultan a la inteligencia del espectador. Fueron los años de los hermanos Coen y Tarantino, pero también de veteranos como Martin Scorsese, Steven Spielberg o Clint Eastwood entregando algunas de sus mejores películas y del descubrimiento, grandes festivales mediante, del emergente cine de Taiwan y Hong Kong de la mano de directores como Edward Yang y Wong Kar-Wai. (Vea aquí del 10 al 1)

20. Desmontando a Harry (1997)



Una de sus películas más divertidas y, a la vez, más sombrías, 'Desmontando a Harry' nos enseña al Allen más cínico y revelador, también al más mordaz y aventurero, con una película con una forma muy original, en la que la realidad y la ficción se mezclan de manera borrosa, como si estuviéramos dentro de la mente de Harry Block. Junto a la previsible catarata de frases para enmarcar ("No tienes valores. Toda tu vida es nihilismo, cinismo, sarcasmo y orgasmo / En Francia con ese eslogan sería presidente") Allen entrega su obra más arriesgada en años y consigue su película más refrescante y provocativa de toda la década.

19. Atrapado por su pasado (1993)



Brian de Palma no es el director más consistente de la historia, pero es evidente que cuando da con un buen material sabe cómo desarrollarlo a la perfección. Ayudado por unos impagables Al Pacino y Sean Penn entrega con este 'Atrapado por su pasado' la que puede que sea la mejor película de su filmografía, siendo su Carlito Brigante una especie de Tony Montana al que, milagrosamente (y tras varios años en la cárcel), se le presentara una segunda oportunidad. Un 'thriller' excelente al que el ágil estilo de su director le va como anillo al dedo.

18. Seven (Se7en) (1995)



La segunda película de David Fincher como director, tras 'Alien³', fue la que le convirtió en uno de los grandes de Hollywood. Y es que es increíble recordar, en estos tiempos de Marvel, como esta oscura y brutal película se convirtió en un tremendo éxito de taquilla. 'Seven' subvierte muchos de los clichés del género, sabiendo perfectamente jugar con ellos, pero también trasciende el género logrando desarrollar una pesimista mirada sobre la sociedad, vista a través de los ojos del personaje de Morgan Freeman, aunque también ofrece una mínima esperanza, y es que a pesar de que parece haber perdido toda fe en la humanidad sigue luchando por lo que considera justo.

17. L.A. Confidential (1997)



Curtis Hanson recuperaba las mejores esencias del cine negro en esta excelente adaptación de la novela de James Ellroy que contó con un reparto en absoluto estado de gracia. Bud White, Ed Exely y Jack Vincennes pasan a formar parte de la mitología de un género junto a otros nombres como Philip Marlowe, Sam Spade, Jeff Bailey o Mark McPherson. Hace años, cuando estaba estudiando periodismo en la Universidad, un amigo hizo una crítica de esta película en unas prácticas pero, al final, se quedó en blanco y terminó diciendo: "Vayan a verla, es cojonuda", quizás Ángel Fernández-Santos lo hubiera expresado de otra manera pero no se puede negar que estaba totalmente en lo cierto.

16. Salvar al soldado Ryan (1998)



Steven Spielberg volvía a la II Guerra Mundial, tras '1941', 'El Imperio del Sol' y 'La lista de Schindler', para entregar la versión definitiva del desembarco de Normandía. La primera hora de la película es absolutamente magistral, un hito absoluto del cine bélico en el que el director te metía directamente a la arena de Omaha Beach, con un realismo que no se había visto nunca. Luego sabía desarrollar a la perfección el argumento de la misma, con un grupo de soldados sacrificándose por salvar al Ryan del título, y, a pesar de un final blando y patriotero, volvía a dar toda una lección de cine con esta maravilla.

15. Atrapado en el tiempo (1993)



La última colaboración entre Harold Ramis y Bill Murray es la mejor con mucha diferencia, sabiendo combinar a la perfección el optimismo idealista a lo Frank Capra del primero, con la visión más cínica del segundo. Lo que está claro es que las andanzas del cínico Phil Connors en el Día de la marmota, convertido en el eterno retorno, en el pueblecito de Punxsutawney, con sus optimistas e ingenuos habitantes, son algo así como la versión noventera de ‘¡Qué bello es vivir!’.

14. El padrino. Parte III (1990)



Una película injustamente mirada con desprecio ¿Es peor que las dos primeras partes? Un poco ¿Es mejor que la inmensa mayoría del resto de películas sin la palabra Padrino en su título? Sí. Coppola cierra su trilogía con su película más personal, y es que si la elección de su hija Sofia (tras la espantada de Wynona Ryder) como una de las protagonistas fue de lo más criticado, también fue guiado por el hecho de que el director hubiera perdido a un hijo pocos años antes. Siempre he pensado que es la película en la que mejor funciona la relación entre Michael y Kay, con unos Al Pacino y Diane Keaton sublimes. El final es absolutamente desgarrador y es una de las mejores escenas jamás rodadas por Coppola.

13. El silencio de los corderos (1991)



La película que desató la fiebre sobre los asesinos en serie refinados e inteligentes era mucho más que una película sobre un sofisticado caníbal extrañamente fascinante. Jonathan Demme y el guionista Ted Tally entregaban encubierto un manifiesto feminista sobre una mujer, Clarice Sterling, tratándose de abrir paso en, como diría James Brown, un mundo de hombres. Al final de la película Sterling comenta con una amiga sobre la buena estrategia que seguía la madre de la chica secuestrada llamándola continuamente por su nombre, “si la ve como una persona y no como un simple objeto, es más difícil destrozarla” y ese es básicamente el resumen de una película que dejaba en evidencia a una industria muy tendente a cosificar a sus personajes femeninos.

12. Reservoir Dogs (1992)



Tarantino era un auténtico obseso del cine, no tenía formación académica, ni de ninguna clase, pero devoraba películas de forma compulsiva, lo mismo le daba a la nueva ola francesa que a las películas de kung fu, trabajaba en una tienda llamada Video Archives donde podía dar rienda suelta a su pasión y ver todos las películas que quisiese. Esa tienda se convirtió en su improvisada escuela de cine, así que decidió escribir un guión con los mínimos escenarios posibles y rodarlo en 16 mm con la gente de Video Archives. Fue ese guión el que se convirtió en ‘Reservoir Dogs’, gracias a que Lawrence Bender, un productor arriesgado, se enamoró del proyecto y se lo pasó a Harvey Keitel, uno de los ídolos de Quentin, que se sabía todo su diálogo en ‘Malas Calles’. Con Keitel en el proyecto se apuntaron los demás actores y ‘Reservoir Dogs’ se convirtió en la sensación de principios de los 90, con la gente aprendiéndose líneas enteras de la película, como la conversación sobre el ‘Like a Virgin’ de Madonna, elevándola a la categoría de película de culto y descubriendo al mundo a uno de los más personales directores de todos los tiempos.

11. Fargo (1996)



Los hermanos Coen son de esos directores con firma, sus películas se desarrollan en un mundo tan propio como las de Fellini, Buñuel o Wes Anderson y 'Fargo' es la sublimación de esto al convertir a su Minnesota natal en un lugar en el que lo cotidiano se ve envuelto en eventos totalmente extraordinarios. La estupidez y la codicia se mezclan con la decencia y la amabilidad en un lugar en el que si las cosas pueden salir mal, saldrán peor. Los Coen entregan una corrosiva y personal maravilla en la que el ‘thriller’ y el cine negro se subvierten al entrar en contacto con el particular mundo ‘coeniano’.

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