Los 20 mejores discos de 1973

Aprovechando el 50 aniversario de 'The Dark Side Of The Moon', que fue el pasado mes de marzo, nos retrotraemos 50 años y nos vamos de viaje en el tiempo a 1973 para repasar los mejores discos de un año que no solo nos llevó de viaje por el lado oscuro de la luna sino que también descubrió el reggae para Occidente, entregó la última obra maestra de un Beatle en solitario o juntó en Londres a Ziggy con Iggy... Estos son nuestros discos favoritos de 1973:

10. Toots & The Maytals - Funky Kingston (1973)

No hay un disco que combine mejor la música jamaicana con el soul y el funk americano que sirvieron de inspiración para esta, claro que tampoco hay una voz con más soul en todo el mundo del reggae que la de Toots Hibbert, el Otis Redding jamaicano, y es que si Bob Marley y los Wailers adoraban a Curtis Mayfield y los Impressions, Toots y los Maytals estaban obsesionados con el soul sureño de Stax y Muscle Shoals. Pero, a principios de los 70, miraron al funk y se pusieron manos a la obra para trasladar esa música a la particular sonoridad de su isla. 'Funky Kingston' es realmente la recopilación de dos discos de la banda que se abría con la bomba funk reggae titular y donde también aparecían su versión del clásico 'Louie, Louie', en el que, finalmente, Louie volvía a Jamaica, 'Pomps and Pride', 'In the dark', 'Time Tough' o 'Got to be there'. Claro candidato a mejor disco de reggae fuera de la obra de Marley.

9. Marvin Gaye - Let's Get It On

Marvin Gaye cambia el amor a Dios por el amor a secas, en concreto por el acto de hacerlo. Con 'What's Going On' se había convertido en la voz social de la América negra, pero con 'Let's Get It On' esa voz (¡ésa VOZ!) decidió hacer el disco más sexy de la historia. Supongo que 1974 vio nacer a muchos niños y niñas que se concibieron escuchando este disco, en particular a la canción titular y su continuación 'Keep Gettin' It On', el culmen de su carrera. Claro que el resto del disco no se quedaba atrás en fuerza e intensidad, dejando claro que Marvin es uno de los mejores vocalistas de la historia. Baste escuchar cosas como 'If I should die tonight' o 'Come get to this', o ese 'groove funk' de 'You Sure Love to Ball'. Gaye escribió dentro del disco: "Practica sexo, puede ser de lo más excitante, si tienes suerte. Espero que la música que te entrego en este diso te haga tenerla". Pero no se crean que 'Let's get it on' es simplemente sexo, esto es mucho más que eso, es un tórrido romance lleno de pasión sin tapujos.

8. Al Green - Call Me

Puede que ya no nos acordemos de él, pero, a principios de 1973, Al Green era la mayor estrella de la música en EEUU, con más de 10 millones de discos vendidos. 'Call Me', lanzado en abril de aquel año, fue la sublimación de todo, el cierre de su trilogía clásica, junto a 'Let's Stay Together' y 'I'm Still in Love with You'. Aquí se concentran todas las virtudes del cantante y de su brillante productor, Willie Mitchell, soul caliente para una de las voces más sensuales de todos los tiempos, orquestaciones de lujo, cortesía de Mitchell, y un grupo de músicos de estudio de primer nivel. Un disco lleno de clásicos como la canicón titular, sus grandes versiones de clásicos country como el 'I'm So Lonesome I Could Cry' de Hank Williams y el 'Funny How Time Slips Away' de Willie Nelson, 'You Ought to Be with Me', 'Jesus Is Waiting' (que ya se adelantaba a su retiro para dedicarse a ser predicador) y, sobre todas, la irresistible y funk 'Here I Am (Come and Take Me)'.

7. Roxy Music - For Your Pleasure

El segundo disco de la banda liderada por Brian Ferry es el mejor de su carrera. Fue el último en el que apareció el imprescindible Brian Eno y la combinación de las canciones del primero y la vanguardia sonora del segundo dieron como resultado un disco que elevaba el Glam Rock a Art Rock, y en el que el Krautrock se daba la mano con el rock & Roll de los 50. Desde los momentos más pegadizos y accesibles como 'Do the strand' o 'Editions of you', hasta los más oscuros y escalofriantes como 'In Every Dream Home A Heartache', 'Bogus man', que podría haber aparecido en el 'Future Days' de Can, hasta cosas como 'Beauty Queen' y 'Grey Lagoons' en las que dan rienda suelta a su particular amor por la música de los 50, 'For your pleasure' confirmaba que la Roxy era la banda con un sonido más original y una personalidad más propia dentro del género, con cada miembro aportando cosas, con los grandes solos de Andy McKay al saxo y Phil Manzanera a la guitarra, los futuristas sintetizadores de Brian Eno y las formas de 'crooner' irónico de Ferry.

6. Paul McCartney & Wings - Band On The Run

En 1973 ya nadie daba un duro porque Paul McCartney fuera a hacer un disco que le congraciara con la crítica musical. En la ruptura de los Beatles le había tocado el papel del insustancial y, a pesar de haber sacado buenos disco como McCartney y maravillas como 'Ram', el mundo especializado le miraba con desprecio y se decantaba por Lennon y Harrison. Y entonces apareció 'Band On The Run' y hasta los más cínicos se dieron por vencidos, el tipo tenía un talento descomunal. Este era el disco que todo el mundo esperaba que hiciera Macca, una especie de continuación de la segunda cara de 'Abbey Road' (que también era practicamente obra suya), en la que, por primera vez, Paul decidía tomarse en serio a sí mismo y a su música. Adiós a las tontas canciones de amor, bienvenidas las obras maestras. En 'Band On The Run' se van repitiendo pasajes durante su desarrollo y Macca mete la mejor colección de canciones en solitario de su carrera, algunas, de las pocas, canciones que escribió que pueden mirar a los ojos a sus grandes obras maestras de los Beatles. Desde la titular, otra prueba más de esas mini óperas pop en las que enzarzaba distintos temas musicales en una única canción, a la pegada de 'Jet', pasando por ese gran blues-soul que es 'Let Me Roll It', donde vuelve a demostrar lo gran cantante que es, los coqueteos con la bossa nova en la delicada 'Bluebird' o la excéntrica y maravillosa 'Nineteen Hundred and Eighty-Five'.

5. David Bowie - Aladdin Sane

Un disco continuista con el de 'Ziggy Stardust' pero más sofisticado y cabaretero, Bowie lo definió como "Ziggy goes to America", pero suena más como el cabaret de Ziggy. El disco se compuso en la carretera mientras duraba su gira norteamericana, y daba fe del cambio radical de la primera imagen de Ziggy Stardust al mucho más extravagante Aladdin Sane. El principal cambio musical es que a las Arañas de Marte se les sumaba el pianista Mike Garson con mucha importancia. El resultado es un álbum mucho más barroco y teatral con las teclas de Garson en un lugar preeminente, como se puede escuchar en las magníficas 'Time', 'Lady Grinning Soul' o la canción titular, eso sí Bowie (o Ziggy, que en ese momento no estaba muy claro) seguía siendo, por encima de todo, una estrella del rock, basten como prueba las imparables 'Watch That Man', 'Panic in Detroit', 'The Jean Genie' o la cincuentera 'Drive-In-Saturday'.

4. Iggy & The Stooges - Raw Power

Los Stooges se separaron sin conseguir tener ninguna repercusión, pero David Bowie, que se acababa de convertir en una estrella, era fan de la banda y se llevó a Iggy Pop y James Williamson a Londres para grabar un disco. Como no había músicos ingleses que se adaptaran a su agresivo estilo, los hermanos Asheton fueron repescados como sección rítmica y así se grabó 'Raw Power', un título profético. El resultado es un disco lleno de energía cruda y rock & roll sucio en el que los tímpanos del oyente corren peligro, como se puede comprobar desde la descarga inicial con 'Search & Destroy'.

3. Stevie Wonder - Innervisions

Stevie Wonder fue el faro de la música negra en los 70, creo que junto a Bowie y nuestro siguiente protagonista es el gran trío de figuras de los 70 y puede que este sea su mejor disco (aunque 'Talking Book' y 'Songs In The Key Of Life' también pueden reclamar el honor). Aquí se puede apreciar en todo su esplendor el rango musical y vocal de Wonder, una mezcla de soul, funk, rock, jazz, toques latinos y baladas con el artista haciéndose cargo de casi todos los instrumentos (en las dos canciones más conocidas, 'Higher Ground' y 'Living for the City', además de 'Jesus Children of America', los toca todos) y voces. Pero aquí también se puede apreciar al gran letrista, el hombre que se convirtió en portavoz de la comunidad negra y narraba el abuso de drogas en su comunidad, 'Too high', el racismo sistemático en la visionaria 'Living for the City' (una canción todavía válida en EEUU 50 años despues) o denunciaba las políticas de Nixon en 'He's Misstra Know-It-All'. Las visiones interiores de Stevie Wonder marcarían el camino para la siguiente generación de superestrellas negras como Prince o Michael Jackson.

2. Bob Marley & The Wailers - Catch A Fire

Este fue el disco con el que Occidente descubrió a los Wailers, aunque para 1973 el trío ya llevaba diez años de carrera, tenía cuatro discos y decenas de sencillos a sus espaldas. Pero con el éxito internaiconal también llegó el primer paso hacia su separación cuando Chris Blackwell decidió rebautizar a la banda como Bob Marley & The Wailers, poniendo a su cantante y compositor principal al frente. Pero los Wailers eran mucho más que la banda de Marley, con Peter Tosh dejando dos espléndidas canciones como '400 Years' y 'Stop that Train', y, sobre todo, las increíbles armonías vocales de Tosh y Bunny Wailer en maravillas como 'Slave Driver', 'Baby We've Got A Date (Rock it baby)', 'Concrete Jungle' y 'Stir it up'. Las dos últimas son dos monumentos gigantescos y fueron repescadas para este disco de anteriores sencillos (la versión original de 'Stir It Up' se publicó en 1967). Además esas canciones servían para mostrar dos de las principales facetas de Marley, la más política y revolucionaria en 'Concrete Jungle' y la de gran escritor de canciones de amor, en 'Stir It Up'. Ambas también sirven de ejemplo del toque Blackwell para el público occidental con el añadido de la maravillosa guitarra del músico de sesión de Muscle Shoals, Wayne Perkins.

1. Pink Floyd - The Dark Side Of The Moon

Puede que ahora mismo se odien, puede que nunca se hayan llevado realmente bien pero, lo que es evidente escuchando este disco, es que Roger Waters y David Gilmour nacieron para tocar juntos. El Lado Oscuro de la Luna es el disco más importante en la historia de Pink Floyd, el que los convierte en guías del rock de los 70 con influencia progresiva y el que les libra definitivamente de la sombra de su primer líder, Syd Barrett. Aunque 'Meddle' ya les había dado su sonido, el cual encontraron en 'Echoes', fue aquí donde lo perfeccionaron, con las letras de Waters unificando el contenido musical, haciendo el primero de sus discos conceptuales, explorando las diferentes etapas de la vida humana, del nacimiento a la muerte, pasando por la enfermedad mental (el fantasma de Barrett siempre estuvo con ellos). Pero lo mejor de este disco está en su parte musical, con 4 músicos alcanzando la cumbre de su entendimiento entre unos y otros, con toda la banda aportando ideas y logrando un sonido único. Los pasajes instrumentales más largos de otros discos se recortan, logrando un disco en el que Pink Floyd logra algo muy cercano a la perfección musical, contando con la ayuda de su ingeniero Alan Parsons, multitud de efectos sonoros que ayudan a cohesionar algunas de las mejores canciones de su discografía, como 'Breathe', 'Time', 'Us And Them', 'The Great Gig In The Sky', 'Money', 'Brain Damage' o 'Eclipse'.

Otras 10 maravillas más de 1973:

Mott the Hoople - Mott
Lynyrd Skynyrd - Pronounced 'Lĕh 'nérd 'Skin 'nérd (1973)
Sly & The Family Stone - Fresh
John Cale - Paris 1919
Lou Reed - Berlin
Gram Parsons - GP
Led Zeppelin - Houses Of The Holy
The Who - Quadrophenia
Bruce Springsteen - The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle
The Allman Brothers - Eat A Peach