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Los 100 mejores discos de los años 90 (Del 20 al 11)
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Los 100 mejores discos de los años 90 (Del 20 al 11)

martes 03 de mayo de 2016, 10:51h

Después de repasar los 50 mejores discos de lo que llevamos de década (2010-2014), los 100 mejores discos de los años 80 y los 100 mejores discos de los años 60 ahora llega el momento de repasar los mejores discos de los 90. La última década antes de la aparición de Internet, la piratería anivel industrial y las plataformas de streaming, los años 90 vieron la aparición de los últimos grandes movimientos del rock y la consolidación de la música electrónica y el hip hop, mientras que el grunge servía de catapulta para toda la música alternativa que abandonó las radios universitarias por las listas de éxitos.

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20. Public Enemy - Fear of a Black Planet (1990)

Cuando comenzaron a grabar 'Fear of a Black Planet' Public Enemy acababa de entregar el mejor disco de la historia del 'hip hop', 'It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back'. ¿Cómo se supera éso? Pensando a lo grande, Chuck D, líder e ideólogo del grupo lo tenía claro "en nuestra primera época sabíamos que estábamos haciendo discos que iban a superar la prueba del tiempo. Cuando hicimos 'It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back' estábamos intentando lograr nuestro 'What's Going On' de Marvin Gaye, cuando hicimos 'Fear of a Black Planet' mi objetivo era 'Sgt. Pepper's'. Así que como presentación entregaron la canción más importante del género, 'Fight the power', una llamada a la rebelión negra que les convertía, de verdad, en el "enemigo público número uno" para el 'establishment'. El impacto de los discos de Public Enemy fue tal que se les puede considerar el equivalente a Bob Marley con el reggae, los responsables de llevar su género a un público distinto, en especial el público blanco del rock cuya puerta de entrada al hip hop fue, como el 'Kind of blue' de Miles Davis al jazz, la dupla fundamental de Public Enemy, 'It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back' y 'Fear of a Black Planet'. Un disco que, además, esconde lo mejor que hizo nunca Flavor Flav, el bufón/escudero de Chuck D, '911 is joke', o las fundamentales 'Brothers Gonna Work It Out', 'Welcome to the terrordome' o 'Can't Do Nuttin' For Ya Man'.



19. The Flaming Lips - The Soft Bulletin (1999)

El noveno disco de los Flaming Lips parecía hecho por una banda distinta de la que había hecho los ocho anteriores. Al típico sonido alternativo de guitarras le reemplazaba un sonido orquestal y lleno de capas en el que tuvo mucho que ver su productor, Dave Fridmann. Grabado a la vez que el 'Desserter's songs' de Mercury Rev, en el que Fridmann también ejercía de productor, el disco se benefició de las arriesgadas propuestas instrumentales que le sentaban como anillo al dedo a la colección de melodías más celestiales que haya conseguido nunca Wayne Coyne. Con los años se le ha apodado el 'Pet sounds' de los 90 y no encuentro una descripción más acertada para describirlo.



18. Blur - Parklife (1994)

A pesar de que con el notable 'Modern life is rubbish' Blur ya había encontrado su sonido, intentando sonar más británicos que los Kinks tomándose el té de las 5 con la Reina, fue con 'Parklife' cuando todo hizo 'click'. Principalmente porque un Damon Albarn totalmente inspirado entregó su mejor colección de canciones. A pesar de que la sombra de Ray Davies era muy alargada, no se podía acusar a Blur de ser simplemente una copia. Aquí cabía casi de todo, desde el synth pop de 'Girls & Boys' al clasicismo pop de 'End of the century', mi canción favorita de la banda, sin olvidarse del punk, la nueva ola o, incluso, el vals. 'Parklife' fue un disco definitorio de una época y logró ser el espejo en el que se miraron la mayoría de las bandas que pasarían a engrosar las filas del 'britpop'.



17. Wu-Tang Clan - Enter the Wu-Tang (36 Chambers) (1993)

El grupo más importante de la historia del hip hop fue el responsable de hacer ver que Nueva York quería volver a ser el centro del mundo del hip hop. El impacto en el underground de '36 Chambers' fue brutal y terminaría convirtiendo a casi todos los miembros del clan en estrellas en solitario. Una cosa que no hubiese sido posible sin la mente detrás de todo esto, RZA. El productor de esta maravilla y de los primeros discos de los miembros en solitario fue el que creó esa maravillosa mezcla de bandas sonoras (y diálogos) de películas de artes marciales y 'samples' de soul (algo que casi no se hacía hasta el momento).



16. Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magik (1991)

El quinto disco de los californianos Red Hot Chili Peppers, y el segundo con John Frusciante a la guitarra, sigue siendo (con toda probabilidad para siempre) el mejor disco que nunca hayan hecho. Aquí se conjugan perfectamente las dos caras del grupo, la banda de funk rock capaz de poner a botar a un estadio con 'Give it away' o 'Suck my kiss' y el grupo capaz de conjurar el fantasma del Hendrix más melancólico con 'Under the bridge' o 'I could have lied'. Una mezcla que se probó perfecta y que no consiguieron repetir.



15. My Bloody Valentine - Loveless (1991)

Es imposible calcular el increíble impacto que tuvo este disco en toda la música alternativa pero Kevin Shields consiguió que la guitarra eléctrica volviera a ser algo totalmente innovador y original. Gracias a su experimentación con el instrumento consiguió su particular versión del 'Muro de sonido' de Phil Spector con capas de sonido que se sobreponían unas a otras, logrando algo único e irrepetible. El disco se abre con 'Onluy shallow' y se cierra con 'Soon', dos canciones practicamente perfectas que enmarcan un disco mítico sin el que es imposible entender la carrera de bandas como Radiohead o Smashing Pumpkins.



14. Pearl Jam - Ten (1991)

De las cuatro grandes bandas que surgieron a principios de los 90 en Seattle, Pearl Jam era la que tenía sus raíces más claras en el rock clásico. Puede que a Vedder, Gossard y Ament les gustasen los Pixies pero no se notaba tanto como su amor por Hendrix, Zeppelin, Neil Young o The Who. No es extraño que de todas aquellas bandas se terminaran convirtiendo en la que más discos vendía, y es que su conexión con los grandes del rock les hacía, en cierto modo, continuistas de la gran tradición del género. Claro que sus letras no iban sobre escaleras al cielo sino sobre traumas de infancia, gente sin hogar y suicidios. Si su música no era el descubrimiento de la rueda (a excepción de la particular forma de cantar de Eddie Vedder) sus canciones se han mostrado capaces de pasar con la nota más elevada la prueba del tiempo. Hoy, 'Alive', Black', 'Even flow', 'Once' o 'Jeremy' siguen sonando como los himnos que siempre fueron.



13. Oasis - (What's the Story) Morning Glory? (1995)

1995 fue el año oficial del Britpop, el NME y demás periódicos musicales británicos, siempre dispuestos a vender la moto (principalmente si es una scooter) se frotaban los ojos y no paraban de vender ejemplares gracias a la nueva reedición de la pregunta más estúpida de todos los tiempos: "¿Beatles o Stones?" que en 1995 se transformó en: "¿Oasis o Blur?". Aquella tontería tuvo un claro ganador, la prensa británica... pero si hablamos de música debemos decir que la balanza se deslizó del lado de los hermanos Gallagher, '(What's the Story) Morning Glory?' era bastante mejor que 'The great escape' y encima los mancunianos se habían guardado un as en la manga (bueno cinco o seis) en la forma de la canción que les abrió la puerta del éxito en EEUU. 'Wonderwall' fue básicamente jaque mate, logrando que una banda de rock británica volviese a gozar de éxito en la gran Meca del mundo del espectáculo. La verdad es que el disco se merece todos los elogios, situándose a la altura del soberbio debut que fue 'Definitely maybe' pero logrando una amplitud mayor gracias a la inclusión de medios tiempos como la mencionada 'Wonderwall', 'Don´t look back in anger', 'Cast no shadow' o 'Champagne Supernova' donde les acompañaba el mismísimo 'Modfather' Paul Weller, que se sumaban a las efervescentes 'Roll with it', 'Hello', 'Morning glory' y, por encima de todas, la gloriosa 'Some might say'.



12. Nirvana - In Utero (1993)

'Nevermind' fue el disco que creó los 90, su éxito permitió que muchos de los discos que aparecen en esta lista fueran escuchados. Pero su éxito también había supuesto una terrible losa para su líder, Kurt Cobain. Alguien tan marcadamente alternativo que pensaba que si su disco se había convertido en un superventas era porque había hecho algo mal. Dispuesto a no dar ninguna concesión para su continuación buscó un sonido mucho más crudo y alternativo, con muchas más aristas. Para ello sustituyó a Butch Vig por Steve Albini en la mesa de mezclas y entregó al mundo una obra cruda y abrasiva en la que volcó toda su ira, sus inseguridades y su rabia. Todo ello en doce canciones que confirman a Cobain como el mejor compositor de la década, sirvan 'Serve the Servants', 'Heart-Shaped Box', 'Rape me', 'Dumb', 'Pennyroyal tea' o 'All apologies' como ejemplos.



11. Radiohead - The Bends (1995)

Poco hacía sospechar un debut tan poco prometedor como 'Pablo honey' que su continuación sería una obra maestra de esta altura. Sí, 'Creep' era una gran canción pero el resto del disco no pasaba de Nirvana de segunda división. En cambio 'The Bends' encontraba a una banda descubriendo su sonido y entregando un disco perfecto desde su inicio con 'Planet telex' hasta su final con 'Street Spirit (Fade Out)'. Lanzado en plena fiebre del 'britpop' los de Thom Yorke no podían ser más opuestos a sus compatriotas siendo sus referentes grupos americanos como R.E.M. o los Pixies y grupos totalmente despreciados por su supuesta pomposidad como Pink Floyd o U2. Tanto Yorke como Johnny Greenwood ponían un extra de originalidad en sus respectivos instrumentos, voz y guitarra, haciendo de la banda una de las más influyentes de los últimos cuarenta años. Después de 'The Bends' llegarían nuevas cimas pero éste fue el disco sobre el que se construyó la carrera de la banda que iba a definir el sonido de las siguientes décadas.

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