critica de teatro

El Teatro Español de Madrid ha acogido, en cuatro funciones, entre el 13 y el 15 de abril, la obra 'La fureur de ce que je pense' (El furor de mi pensamiento), con textos de la novelista canadiense Nelly Arcan en un montaje dirigido por Marie Brassard. El espectáculo es un homenaje tan hermoso como duro que hace la directora a Arcan, que se suicidó en 2009, con 36 años, después de haber ejercido la prostitución de lujo como forma de financiarse los estudios de Literatura. Pero la literatura no bastó para detener el fracaso y el infierno en el que discurría su vida, a pesar de haber llegado a obtener el reconocimiento como escritora, ya que fue finalista de los premios Médicis y del Femina.

La compañía Nao d'Amores, con Ana Zamora al frente -su directora-, lleva ya 17 años rescatando textos y autores olvidados, o casi, que, sin embargo, han tenido una importancia capital en nuestra cultura, por unas u otras causas. Sus montajes son siempre un aldabonazo a la conciencia dormida de los españoles que, por una especie de conjuro secular autodestructivo, miran siempre hacia otro lado cuando se trata de ponderar su propia cultura. El último en llegarnos, 'Europa, que a sí misma se atormenta', del humanista segoviano Andrés Laguna lo estrenó en 2017 y nos llega ahora al Teatro de La Abadía, poco después del paso por La Comedia de su incontestable Comedia Aquilana, de Torres Naharro (https://www.diariocritico.com/teatro/comedia-aquilana-critica)

La angustia vital no nos abandona. Ahora hace mella también entre nuestros jóvenes, agobiados, derrotados, frustrados y obligados a emigrar en una España que se niega a sí misma. Nada es que no haya sido y que no será. Los castillos de naipes que nuestros jóvenes se han ido construyendo durante muchos años (jijí, jajá, carpe diem, etc.), de pronto, han caído también porque la ley de la gravedad -incluso la vital- es inexorable: o se acepta, o acaba destrozando a quien se niega a admitirla. Este es el tono de 'Scratch', un hermosísimo montaje que parte de un interesante texto de Javier Lara. El producto final, seguro que después de muchas horas de reflexión y trabajo entre las compañías Grumelot y Teatro en Tránsito, fue estrenado en Frinje’16 y ahora vuelve a los escenarios.

Eva, una chica preadolescente, tiene que enfrentarse a la vida, unas veces al lado, y otras frente a su madre, que ahora padece un cáncer avanzado y, día a día, se debate entre la vida y la muerte. Esa intensa relación madre-hija, interpretada por tres actrices que representan otras tantas fases en el crecimiento de Eva (niña, adolescente y joven), es lo que se viene a contar en tres monólogos sucesivos, en 'Mamá', el primer proyecto escrito y dirigido por Sarah Lena, que ahora se representa cada martes en la Sala Lola Membrives, del madrileño Teatro Lara.

Interpretada por unos divertidos Cristina Bertol, Josep Maria Riera, Horten Soler y Montse Gabriel, acaba de estrenarse en la Sala Nave 73 'Amor Fati o cómo llegué a operarme de glaucoma', el primer texto de Yaiza Ramos, una comedia insolente y cínica, en un montaje muy dinámico que ella misma dirige. Se trata de un texto de autoficción -también, al parecer, con bastante de autobiográfico-, y con dosis de realismo y surrealismo a partes iguales en donde se cuenta cómo ve una adolescente (el alter ego de Yaiza Ramos) la fatalidad de descubrir que los malditos genes son los causantes del glaucoma que padece.

¿Has pensado alguna vez si tu integridad personal, tu honestidad profesional, tu lealtad y hasta tus principios éticos y morales podrían quebrarse alguna vez por cierta cantidad de dinero? En otras palabras, ¿crees que no se te puede comprar, que no hay forma de doblegarte, que estás vacunado contra la corrupción? No te respondas aún. Mejor, pásate por los Teatros del Canal antes del próximo 1 de abril para ver 'Mammón', un montaje teatral de Nao Albet y Marcel Borràs, tándem artístico desde 2007 y Premio El Ojo Crítico de RNE de Teatro en 2016. Los autores firman y dirigen este espectáculo que también protagonizan junto a Irene Escolar, Ricardo Gómez y Manel Sans.

El 3 de agosto de 2015, la Agrupación Señor Serrano fue galardonada con el León de Plata de la Bienal de Venecia por una propuesta escénica absolutamente innovadora, A house in Asia, que mezclaba ante el espectador vídeo-proyecciones, maquetas, manipulación de vídeos en tiempo real y redes sociales. “La realidad misma en forma de ficción, o la misma ficción que imita a la realidad difuminando cualquier tipo de barrera entre esta y aquella”, decíamos en nuestra crítica al respecto de la obra galardonada (https://www.diariocritico.com/teatro/a-house-in-asia-critica).

Una gran cortina blanca, que delimita el espacio de una habitación de hotel, en medio de la cual hay una silla con un pijama colgado y un par de zapatos viejos debajo de ella. Ese es todo el atrezzo que configura el escenario de 'Re-cordis', la propuesta del Teatro de las Culturas (antiguo Teatro del Arte) en su recién iniciada andadura. Es el espacio que habita un actor, Alberto Amarilla, para deambular durante hora y media de monólogo ininterrumpido, por el camino de sus recuerdos (personas, situaciones, personajes), porque el hombre se encuentra allí, en medio de la habitación de un hotel que desconoce, enclavado también en un espacio y tiempo desconocidos porque ha perdido la memoria. Conocemos todos estos extremos después de unos minutos de silencio en donde un hombre, que ha salido en ropa interior al escenario, después de colocarse el pijama, responde a un par de llamadas telefónicas, a las que contesta a través de los dos zapatos y por las que el espectador averigua, además, que tiene una hija que lo anda buscando, aunque él no la recuerda tampoco.

Con sentido del humor puede hablarse de todo, absolutamente de todo. Ni el mito griego de ‘Edipo’, que Sófocles recogió en su tragedia de ese mismo título, se salva de esta regla gracias a los portugueses Companhia do Chapitô que presentó la semana pasada su versión en Cuarta Pared, dentro del Festival de Otoño a Primavera (FOP). Y la Companhia do Chapitô es “reincidente” porque son ya más de dos décadas y 31 espectáculos los que tiene en su haber, y con todos ellos ha revolucionado la escena portuguesa y de medio mundo con sus creaciones repletas de inteligencia y sentido del humor para poner en solfa la realidad personal, social y política que toca de cerca al hombre de hoy, que es tanto como decir el de ayer o el de mañana.

Casi nada es lo que parece. Menos aún en 'Los empeños de una casa', de la escritora mexicana Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695), -Juana Ramírez de Asbaje antes de profesar como monja-. Ni su figura literaria, ni la mujer, ni su ajetreada vida pueden pasar inadvertidas en pleno siglo XVII, ni a uno ni a otro lado del Atlántico. ¡Ya les gustaría a muchas mujeres (y hombres), de hoy en día llegar a parecerse un poco a Sor Juana! A los tres años ya leía, y eso que en aquella época no era nada habitual que las mujeres accedieran a la cultura. Joven brillante, culta y admirada, su poesía, ingeniosa, elocuente y expresiva, la convirtió en la personalidad más destacada de las letras virreinales del siglo.

No basta con ser malo. Hay que saber venderse. La competitividad y el marketing ha llegado hasta las letras del teatro clásico por mor de estos 'Malvados de Oro' del teatro español, un monólogo que ha subido estos días al Pavón Kamikaze, escenario que frecuentaba el único y estupendo intérprete de la pieza, Daniel Albaladejo, en su época de integrante de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), en esos años en que esta tenía su sede provisional en el teatro de la calle Embajadores, y, a su vez, Daniel formaba parte de su elenco.

Intersecciones entre realidad y ficción, actor y personaje, pasado y presente son los múltiples puntos de vista que ofrece la brasileña Christiane Jatahy. En 'E se elas fossem para Moscou?' (¿Y si ellas fueran a Moscú?), basada libremente en Las tres hermanas de Chèjov, aquí reinventada, que constituye un hermosísimo espectáculo a caballo entre el teatro y el cine, en un diálogo fértil, inesperado, sorprendente y más que inteligente entre ambas artes en cuya mezcla se completa el puzle de la realidad, de la ficción, de los sueños, del placer, del dolor, de la alegría y la tristeza, en una verdadera fiesta para los cinco sentidos. Este podría ser el resumen de un espectáculo en portugués con subtítulos en español, de cuatro horas de duración (45 minutos de descanso incluidos), que se pudo vivir el pasado fin de semana en las Salas Verde y Roja de los Teatros del Canal de Madrid.

La singular e inteligente mirada del dramaturgo José Sanchís Sinisterra sobre Las tres hermanas, la obra teatral más representada de Anton Chèjov, puede verse hasta finales de febrero en la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez de Madrid. Para que no haya ninguna duda sobre su intención y resultados, el maestro valenciano del teatro ha titulado su trabajo dramatúrgico 'Las tres hermanas. Deconstructing Chèjov' porque ha reducido a lo esencial la obra universal, y ha acortado el número de personajes, dejando solo tres (las hermanas, por supuesto), aunque lo medular del drama sigue siendo perfectamente reconocible.

Antonio Machado, probablemente dijo más de una vez a sus alumnos aquello de que "Nunca perdáis contacto con el suelo, porque solo así tendréis una idea aproximada de vuestra estatura". Si es así, Esther Santos, autora y directora del montaje 'Puntos suspensivos' es una mujer muy grande. Su obra es pura sencillez, pura realidad en donde cualquiera –y más aún si es mujer- podrá verse reflejado en la fábula que propone.

Teatro esencial, de una belleza sublime, que emana paz, que envuelve de armonía al atónito espectador, y con una aparente y pasmosa sencillez, pero de una profundidad mística y una emoción panreligiosa que estremece. Todo esto y mucho más es 'El árbol', el espectáculo de Odin Teatret en montaje dirigido por el italiano Eugenio Barba, que construye una crónica de nuestro tiempo de horror y de guerras constantes y cada vez más horribles con el que la compañía cierra su Trilogía de los inocentes, después de La vida crónica y Las grandes ciudades bajo la luna, también representadas en el Teatro de la Abadía de Madrid.

En su décimo aniversario como compañía, y después de haber conseguido producir con éxito 15 espectáculos, la gallega Voadora ha estrenado en el madrileño Teatro Valle-Inclán su versión de ‘Sueño de una noche de verano’, de William Shakespeare, adaptada por el dramaturgo chileno Marco Layera y dirigida por Marta Pazos. El montaje ya ha sido representado en 30 ocasiones en escenarios de España y Portugal y, además, tiene prevista una gira de 26 actuaciones más en distintos auditorios de Galicia para luego presentar esta misma versión en castellano en el Teatro Principal de Zaragoza (31 de marzo y 1 de abril).

El dramaturgo norteamericano Edward Albee (1928-2016), tiene ahora mismo dos de sus obras en la cartelera madrileña. Por un lado, y en el Teatro Lara, su primera obra en un acto, 'Historia del zoo' (1959), recuperada ahora por el maestro José Carlos Plaza en la dirección; y por otro, ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1962), de la que hemos hablado en estas mismas páginas recientemente (https://www.diariocritico.com/critica-teatro-quien-teme-a-virgina-woolf-sala-arte-y-desmayo). Ambos montajes son extraordinarios porque muestran al Albee más auténtico, el dramaturgo cuyos personajes padecen por su incapacidad o desgana para comunicarse de modo significativo o relacionarse unos con otros.

No solemos echar mano de la historia para entender mejor el presente. Claro, que así nos va. En España, por ejemplo, ¿cuándo y cómo surgió la toma de conciencia de la mujer para exigir sus derechos? Sí, vagamente podemos decir que a principios del siglo XX, pero en el mejor de los casos nos pueden venir un par de nombres de mujeres intelectuales sobre cuyos hombros echaríamos mucha más responsabilidad de la que, seguramente, les corresponde…

Richard Burton y Elizabeth Taylor sembraron el escándalo en la pantalla al inmortalizar a los protagonistas de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), de Mike Nichols. Muy pronto, la obra original del dramaturgo norteamericano Edward Albee, estrenada en 1962 con el título de Who’s afraid of Virginia Woolf?, y que estuvo en cartel casi dos años en el Billy Rose Theatre, comenzaría a representarse en algunos de los más importantes teatros del mundo occidental. En España se estrenó en 1966, aunque seguramente el montaje más mediático -como diríamos ahora- no llegó hasta 1999 con Nuria Espert y Adolfo Marsillach en los principales papeles.

Un tema tan viejo como postmoderno, el amor, es el eje en torno al cual gira la obra de una joven dramaturga, Sara García Pereda, que sigue en cartel, después de un par de meses -y eso ya dice mucho de su excelente acogida por el público- en el madrileño Umbral de Primavera. Ellos, los que algún día estuvieron enamorados y acaso aún lo estén sin saberlo, son Nadia y Fer, Violeta Orgaz y Juan Caballero, respectivamente.

La cultura del siglo XVIII europeo estuvo marcada por la edición de la Encyclopédie, ou dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers, par une société de gens de lettres (Enciclopedia o tratado sistemático de las artes, las ciencias y los oficios), más conocida como Enciclopedia, que pudo ver la luz gracias a Denis Diderot en París entre 1751 y 1772. En ella se recogían las opiniones más avanzadas de su tiempo sobre filosofía, política y religión. La publicación de la obra fue suspendida varias veces por prohibiciones del Parlamento y por condenas eclesiásticas. Pero la protección de Madame de Pompadour consiguió que la obra se editara en su totalidad. En ella colaboraron muchos de los grandes escritores del momento, como Montesquieu, Voltaire, Jean-Jacques Rousseau y Friedrich Melchior, barón von Grimm.

Tercera temporada y más de 30.000 espectadores es el contundente argumento que avala la calidad de esta ‘Caperucita roja. El musical’ -basada en el popular cuento de los hermanos Grimm, aquí versionado por Julio Jaime Fischtel-, que vuelve hasta el próximo 18 de febrero al Teatro Sanpol. El musical dirigido a toda la familia sigue creciendo en frescura, en precisión en armonía de voces, en coreografías y en emoción.

Gabriel Olivares (Burundanga, El Nombre) junto a la Compañía TeatroLab Madrid (Our Town, candidata a los Premios Max 2016 al mejor Espectáculo Revelación) llevaron el verano pasado a la terraza del Galileo 'Cuatro corazones con freno y marcha atrás', que desde finales de año y hasta el 4 de febrero reponen en el Teatro Maravillas.

Envuelta en una niebla espesa que no cesará durante toda la función, la Sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid recibe a un público diverso (adolescentes, jóvenes, gente madura) que no sé muy bien si sabe lo que va a presenciar en unos minutos. Una joven ligeramente vestida con un vaporoso vestido blanco, va y viene como una autómata de izquierda a derecha, y viceversa, del escenario golpeando con rabia las cortinas de los dos extremos cada vez que completa el itinerario. Al tiempo, a través de megafonía, una voz metálica de niña adolescente recita en bucle un cuento terrible que ya da una pista de lo que el espectador va a presenciar en breve…

La actriz, dramaturga y directora María Marull (Rosario, Argentina, 1974) escribió hace unos años una comedia sencilla, sin pretensiones aparentes, en la que una extraña pareja caía por una pequeña población perdida en la inmensidad de su tierra argentina con el fin de buscar el milagro a los pies de una virgencita. En España, Marull ha puesto nombre a la virgen milagrera, 'La Pilarcita', y ha trasladado la acción a un pueblo de Extremadura, donde apenas sí caen por allí una docena de turistas al año, aunque todos van a parar al mismo hostal, al único del pueblo…

La Sala José Luis Alonso del madrileño Teatro de La Abadía acoge por segunda vez, y en menos de un año (del 11 al 28 de enero), 'He nacido para verte sonreír', del argentino Santiago Loza en un bellísimo montaje dirigido por Pablo Messiez. Lo protagonizan por Isabel Ordaz y Fernando Delgado-Hierro, que se incorpora al reparto sustituyendo a Nacho Sánchez.

Estos son algunos de los más interesantes montajes que nuestro crítico, José-Miguel Vila, ha destacado a lo largo de 2017. En la relación, se consigna título, dramaturgo, director y sala de teatro donde se han exhibido. La crítica de todos ellos puede encontrarse en estas páginas de Diariocrítico.

Si buscas un verdadero ejemplo de lo que es la libertad creadora en el teatro partiendo de un texto universalmente conocido, este es tu montaje: 'Esto no es la casa de Bernarda Alba'. La imaginación creadora de Carlota Ferrer y José Manuel Mora, partiendo de 'La casa de Bernarda Alba', de Federico García Lorca, han construido una propuesta teatral llena de imaginación, de libertad y de belleza plástica. Aquí el espíritu y la palabra de Lorca se entremezclan con la música, la danza y los audiovisuales para construir durante dos horas -que, sin embargo, dan la impresión de que apenas sean diez minutos-, una creación llena de metáforas más que sugerentes, de diálogos hermosísimos que cobran nuevos sentidos y de construcciones plásticas vivas que se agarran al corazón y al cerebro del espectador como el imán al hierro. El transgresor, atrayente, sugestivo y brillante montaje puede verse del 14 de diciembre al 7 de enero próximo en la Sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid.

Tres cuartos de siglo después de morir el escritor y pacifista austriaco Stefan Zweig (1881-1942), se presenta ahora en el Teatro de La Abadía una de sus más celebradas novelas breves, ‘24 horas en la vida de una mujer’ (1927), convertida en un estremecedor musical de cámara intimista. El montaje está dirigido por Ignacio García y protagonizado por Silvia Marsó, quién después de acudir en París al montaje original de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Coug, con música original del compositor ruso Sergei Dreznin, decidió lanzarse a producir el espectáculo en España. El resultado, desde luego, no ha podido ser mejor.

Gary Owen ganó en 2015 el premio al mejor texto en el Festival de Edimburgo por una nueva versión del mito de Iphigenia. Su obra, titulada Iphigenia in Splott, llegó por primera vez hace solo unos meses a España, al Pavón Teatro Kamikaze, de la mano de María Hervás, que ha adaptado con gran atino la obra, acercándola a la realidad española, bajo el título de ‘Iphigenia en Vallecas’, en montaje dirigido por Antonio C. Guijosa. Un espectáculo que acaba de reestrenarse en el mismo espacio y permanecerá en el Ambigú del Kamikaze hasta el próximo 21 de diciembre.

Los apellidos Pastor (Juan y María) y Valentín Gamazo (Teresa), están indisolublemente unidos al teatro y, aún más en concreto, al espacio de La Guindalera una pequeña sala que ha venido escribiendo algunas de las páginas más exquisitas del teatro madrileño de los últimos lustros. Construida en el número 20 de la calle Martínez Izquierdo en lo que antes había sido una antigua ebanistería con un patio trasero, echó el cierre a mediados de julio de 2016, y ahora vuelve a abrir reinventándose y ofreciendo -¡por supuesto!- teatro y mucho más.

Una cuidadísima puesta en escena -sencilla pero llena de matices- es el marco en donde se desarrolla ‘Igual que si en la luna’, un montaje escrito y dirigido por José Troncoso e interpretado por José Bustos, un solo hombre pero con muchas voces, sentimientos, obsesiones, nostalgias y frustraciones dentro de sí. El rito siempre inacabado e imperfecto de rescatar los momentos felices del pasado puede vivirse en la Sala Mirador durante solo unas semanas y es aconsejable que intenten participar de él los verdaderos amantes del teatro, y que acudan a vivirlo sin presunciones, sin prejuicios, dejándose llevar por cuanto sucede en escena, que es mucho más de lo que se evidencia en ella.

Unos bancos corridos, instalados en una caja de madera de pino de apenas seis por ocho metros abierta solamente por arriba, acogen a 60 privilegiados espectadores por función en la Sala Negra de los madrileños Teatros del Canal desde el pasado día 23 hasta el 7 de enero próximo, para asistir a un nuevo, íntimo y delicadísimo acto litúrgico sobre la desesperanza, la tristeza, la angustia y la melancolía que atraviesa a los personajes del clásico Tío Vania, del autor ruso Antón Chéjov (1860-1904). Hablo del extraordinario montaje cuya adaptación y dirección corre a cargo de Alex Rigola, ‘Heartbreak Hotel’ con el subtítulo 'Vania (escenas de la vida)', que ha preparado antes sobre el papel la dramaturgista Lola Blasco.

Desierto del Karoo (Sudáfrica). El sol cae a plomo sobre la tierra, las bestias y las personas. Allí no hay quien viva. Sin embargo, unos cuantos hombres y mujeres tienen allí su vida, su residencia y su trabajo. En otras palabras, su historia. Todo sucede allí, y desde hace muchos años, en una granja en donde los balidos de las ovejas y el ladrido de los perros que cuidan los rebaños y la casa se alternan con el sonido de los grillos y el de las cigarras… No es tan difícil imaginárselo porque no sucede algo muy distinto en plena península ibérica (pienso en aldeas de La Mancha, Extremadura o Andalucía entre las dos y las seis de la tarde de cualquier verano, en medio del campo, con más de 40 grados a la sombra).

Dos personajes llenos de reproches y de secretos se baten interpretativamente en escena para ayudar al espectador a descubrir poco a poco -como pasa en la vida que discurre fuera del escenario-, la intensa relación que les une, a pesar de las adversidades sobrevenidas, que nunca faltan en el camino de nadie. Son madre e hijo y protagonizan 'Conversaciones con mamá', una obra escrita por el argentino Santiago Carlos Ovés (la creó para el teatro, pero la estrenó como película en 2004). Jordi Galcerán (El método Grönholm, Burundanga, etc.), la readaptó para el teatro y Juan Echanove y María Galiana la subieron a las tablas por primera vez en España hacia 2013. Ahora la compañía Martes Teatro vuelve a representarla en la Sala Estudio 2 Manuel Galiana, bajo la dirección del mismo Galiana y la interpretación de Maria José Álamo (entrañable y expresiva Madre) y Óscar Olmeda (estupendo Jaime).