Crítica de teatro

Richard Burton y Elizabeth Taylor sembraron el escándalo en la pantalla al inmortalizar a los protagonistas de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), de Mike Nichols. Muy pronto, la obra original del dramaturgo norteamericano Edward Albee, estrenada en 1962 con el título de Who’s afraid of Virginia Woolf?, y que estuvo en cartel casi dos años en el Billy Rose Theatre, comenzaría a representarse en algunos de los más importantes teatros del mundo occidental. En España se estrenó en 1966, aunque seguramente el montaje más mediático -como diríamos ahora- no llegó hasta 1999 con Nuria Espert y Adolfo Marsillach en los principales papeles.

Un tema tan viejo como postmoderno, el amor, es el eje en torno al cual gira la obra de una joven dramaturga, Sara García Pereda, que sigue en cartel, después de un par de meses -y eso ya dice mucho de su excelente acogida por el público- en el madrileño Umbral de Primavera. Ellos, los que algún día estuvieron enamorados y acaso aún lo estén sin saberlo, son Nadia y Fer, Violeta Orgaz y Juan Caballero, respectivamente.

La cultura del siglo XVIII europeo estuvo marcada por la edición de la Encyclopédie, ou dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers, par une société de gens de lettres (Enciclopedia o tratado sistemático de las artes, las ciencias y los oficios), más conocida como Enciclopedia, que pudo ver la luz gracias a Denis Diderot en París entre 1751 y 1772. En ella se recogían las opiniones más avanzadas de su tiempo sobre filosofía, política y religión. La publicación de la obra fue suspendida varias veces por prohibiciones del Parlamento y por condenas eclesiásticas. Pero la protección de Madame de Pompadour consiguió que la obra se editara en su totalidad. En ella colaboraron muchos de los grandes escritores del momento, como Montesquieu, Voltaire, Jean-Jacques Rousseau y Friedrich Melchior, barón von Grimm.

Tercera temporada y más de 30.000 espectadores es el contundente argumento que avala la calidad de esta ‘Caperucita roja. El musical’ -basada en el popular cuento de los hermanos Grimm, aquí versionado por Julio Jaime Fischtel-, que vuelve hasta el próximo 18 de febrero al Teatro Sanpol. El musical dirigido a toda la familia sigue creciendo en frescura, en precisión en armonía de voces, en coreografías y en emoción.

Gabriel Olivares (Burundanga, El Nombre) junto a la Compañía TeatroLab Madrid (Our Town, candidata a los Premios Max 2016 al mejor Espectáculo Revelación) llevaron el verano pasado a la terraza del Galileo 'Cuatro corazones con freno y marcha atrás', que desde finales de año y hasta el 4 de febrero reponen en el Teatro Maravillas.

Envuelta en una niebla espesa que no cesará durante toda la función, la Sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid recibe a un público diverso (adolescentes, jóvenes, gente madura) que no sé muy bien si sabe lo que va a presenciar en unos minutos. Una joven ligeramente vestida con un vaporoso vestido blanco, va y viene como una autómata de izquierda a derecha, y viceversa, del escenario golpeando con rabia las cortinas de los dos extremos cada vez que completa el itinerario. Al tiempo, a través de megafonía, una voz metálica de niña adolescente recita en bucle un cuento terrible que ya da una pista de lo que el espectador va a presenciar en breve…

La actriz, dramaturga y directora María Marull (Rosario, Argentina, 1974) escribió hace unos años una comedia sencilla, sin pretensiones aparentes, en la que una extraña pareja caía por una pequeña población perdida en la inmensidad de su tierra argentina con el fin de buscar el milagro a los pies de una virgencita. En España, Marull ha puesto nombre a la virgen milagrera, 'La Pilarcita', y ha trasladado la acción a un pueblo de Extremadura, donde apenas sí caen por allí una docena de turistas al año, aunque todos van a parar al mismo hostal, al único del pueblo…

La Sala José Luis Alonso del madrileño Teatro de La Abadía acoge por segunda vez, y en menos de un año (del 11 al 28 de enero), 'He nacido para verte sonreír', del argentino Santiago Loza en un bellísimo montaje dirigido por Pablo Messiez. Lo protagonizan por Isabel Ordaz y Fernando Delgado-Hierro, que se incorpora al reparto sustituyendo a Nacho Sánchez.

Estos son algunos de los más interesantes montajes que nuestro crítico, José-Miguel Vila, ha destacado a lo largo de 2017. En la relación, se consigna título, dramaturgo, director y sala de teatro donde se han exhibido. La crítica de todos ellos puede encontrarse en estas páginas de Diariocrítico.

Si buscas un verdadero ejemplo de lo que es la libertad creadora en el teatro partiendo de un texto universalmente conocido, este es tu montaje: 'Esto no es la casa de Bernarda Alba'. La imaginación creadora de Carlota Ferrer y José Manuel Mora, partiendo de 'La casa de Bernarda Alba', de Federico García Lorca, han construido una propuesta teatral llena de imaginación, de libertad y de belleza plástica. Aquí el espíritu y la palabra de Lorca se entremezclan con la música, la danza y los audiovisuales para construir durante dos horas -que, sin embargo, dan la impresión de que apenas sean diez minutos-, una creación llena de metáforas más que sugerentes, de diálogos hermosísimos que cobran nuevos sentidos y de construcciones plásticas vivas que se agarran al corazón y al cerebro del espectador como el imán al hierro. El transgresor, atrayente, sugestivo y brillante montaje puede verse del 14 de diciembre al 7 de enero próximo en la Sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid.

Tres cuartos de siglo después de morir el escritor y pacifista austriaco Stefan Zweig (1881-1942), se presenta ahora en el Teatro de La Abadía una de sus más celebradas novelas breves, ‘24 horas en la vida de una mujer’ (1927), convertida en un estremecedor musical de cámara intimista. El montaje está dirigido por Ignacio García y protagonizado por Silvia Marsó, quién después de acudir en París al montaje original de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Coug, con música original del compositor ruso Sergei Dreznin, decidió lanzarse a producir el espectáculo en España. El resultado, desde luego, no ha podido ser mejor.

Gary Owen ganó en 2015 el premio al mejor texto en el Festival de Edimburgo por una nueva versión del mito de Iphigenia. Su obra, titulada Iphigenia in Splott, llegó por primera vez hace solo unos meses a España, al Pavón Teatro Kamikaze, de la mano de María Hervás, que ha adaptado con gran atino la obra, acercándola a la realidad española, bajo el título de ‘Iphigenia en Vallecas’, en montaje dirigido por Antonio C. Guijosa. Un espectáculo que acaba de reestrenarse en el mismo espacio y permanecerá en el Ambigú del Kamikaze hasta el próximo 21 de diciembre.

Los apellidos Pastor (Juan y María) y Valentín Gamazo (Teresa), están indisolublemente unidos al teatro y, aún más en concreto, al espacio de La Guindalera una pequeña sala que ha venido escribiendo algunas de las páginas más exquisitas del teatro madrileño de los últimos lustros. Construida en el número 20 de la calle Martínez Izquierdo en lo que antes había sido una antigua ebanistería con un patio trasero, echó el cierre a mediados de julio de 2016, y ahora vuelve a abrir reinventándose y ofreciendo -¡por supuesto!- teatro y mucho más.

Una cuidadísima puesta en escena -sencilla pero llena de matices- es el marco en donde se desarrolla ‘Igual que si en la luna’, un montaje escrito y dirigido por José Troncoso e interpretado por José Bustos, un solo hombre pero con muchas voces, sentimientos, obsesiones, nostalgias y frustraciones dentro de sí. El rito siempre inacabado e imperfecto de rescatar los momentos felices del pasado puede vivirse en la Sala Mirador durante solo unas semanas y es aconsejable que intenten participar de él los verdaderos amantes del teatro, y que acudan a vivirlo sin presunciones, sin prejuicios, dejándose llevar por cuanto sucede en escena, que es mucho más de lo que se evidencia en ella.

Unos bancos corridos, instalados en una caja de madera de pino de apenas seis por ocho metros abierta solamente por arriba, acogen a 60 privilegiados espectadores por función en la Sala Negra de los madrileños Teatros del Canal desde el pasado día 23 hasta el 7 de enero próximo, para asistir a un nuevo, íntimo y delicadísimo acto litúrgico sobre la desesperanza, la tristeza, la angustia y la melancolía que atraviesa a los personajes del clásico Tío Vania, del autor ruso Antón Chéjov (1860-1904). Hablo del extraordinario montaje cuya adaptación y dirección corre a cargo de Alex Rigola, ‘Heartbreak Hotel’ con el subtítulo 'Vania (escenas de la vida)', que ha preparado antes sobre el papel la dramaturgista Lola Blasco.

Desierto del Karoo (Sudáfrica). El sol cae a plomo sobre la tierra, las bestias y las personas. Allí no hay quien viva. Sin embargo, unos cuantos hombres y mujeres tienen allí su vida, su residencia y su trabajo. En otras palabras, su historia. Todo sucede allí, y desde hace muchos años, en una granja en donde los balidos de las ovejas y el ladrido de los perros que cuidan los rebaños y la casa se alternan con el sonido de los grillos y el de las cigarras… No es tan difícil imaginárselo porque no sucede algo muy distinto en plena península ibérica (pienso en aldeas de La Mancha, Extremadura o Andalucía entre las dos y las seis de la tarde de cualquier verano, en medio del campo, con más de 40 grados a la sombra).

Dos personajes llenos de reproches y de secretos se baten interpretativamente en escena para ayudar al espectador a descubrir poco a poco -como pasa en la vida que discurre fuera del escenario-, la intensa relación que les une, a pesar de las adversidades sobrevenidas, que nunca faltan en el camino de nadie. Son madre e hijo y protagonizan 'Conversaciones con mamá', una obra escrita por el argentino Santiago Carlos Ovés (la creó para el teatro, pero la estrenó como película en 2004). Jordi Galcerán (El método Grönholm, Burundanga, etc.), la readaptó para el teatro y Juan Echanove y María Galiana la subieron a las tablas por primera vez en España hacia 2013. Ahora la compañía Martes Teatro vuelve a representarla en la Sala Estudio 2 Manuel Galiana, bajo la dirección del mismo Galiana y la interpretación de Maria José Álamo (entrañable y expresiva Madre) y Óscar Olmeda (estupendo Jaime).

El retrato de una familia hundida en la desgracia personal y colectiva que sobrevive como puede ante la adversidad acumulada día tras día, revés tras revés, deja atónito a un público que asiste concentrado y boquiabierto a una historia llena de vida en algún apartamento viejo y destartalado de una gran ciudad de la Argentina. Se trata de ‘La familia Coleman’, un texto tragicómico escrito y dirigido por Claudio Tolcachir (Buenos Aires, 1975), que puede verse en siete únicas funciones, del 24 al 29 de octubre, en los Teatros del Canal de Madrid.

Más de una vez he dicho que, muchas veces, la realidad que se construye en torno al hecho teatral encierra más verdad que la que se vive fuera de él. En la vida diaria encontramos cada día pruebas fehacientes de ello y, de vez en cuando, nos topamos también con ellas y de forma directa en el mismo teatro. Sin ir más lejos, y durante las próximas semanas, va a poder verse en el escenario de Nave 73 'La escena número 12', un montaje que juega con la vida y el hecho teatral en todos los planos posibles -dos experiencias unidas, confundidas y disfrutadas- escrito y dirigido por José Gómez-Friha, que es una verdadera delicia.

Argentina, 1930. La gran depresión se extiende por todo el mundo y, por supuesto, llega también al Cono Sur americano. Argentina, además, vive el golpe de Estado a Irigoyen. En ese contexto nace Carlos Mugica, un chaval sin problemas económicos porque su familia es de las más adineradas de la región. Sueña, como todos los niños, con ser futbolista algún día pero, unos años más tarde, en una visita a Roma, en plena plaza de San Pedro, la vida le propina un revés inesperado: le surge la vocación sacerdotal.

Sevillana de origen, aunque madrileña de adopción, la compañía Teatro a la Plancha combina lo grotesco, lo esperpéntico y lo existencial en sus montajes. El último, ‘La última boqueá’, estos días puede verse en Cuarta Pared. Se trata de una comedia de velatorio, como la califica la propia compañía, escrita y dirigida por Selu Nieto que, por si ese trabajo fuera poco, es también uno de los tres intérpretes del montaje junto a sus divertidísimos compañeros María Díaz y Manuel Ollero Piñata.

La lucha contra las convenciones sociales y eso que los conservadores llaman “el orden natural de las cosas” no es tarea fácil ni al alcance de cualquiera. Si se trata, además, de una mujer, esa lucha en contra de la opinión pública adquiere ya el carácter de heroica, de titánica.

Si las apariencias tienen un espacio natural para su desarrollo, ese es el de la pareja. En las relaciones íntimas casi nada es lo que parece públicamente. A veces una puesta de sol contemplada a dúo no es más que la antesala de un precipicio en la relación y eso solo puede descubrirse en la más profunda intimidad, quizás porque el amor y el vértigo son dos sensaciones tan personales, tan personales, que es muy difícil explicarlas y mucho más aún exhibirlas públicamente.

'Antígona', el clásico de Sófocles,en adaptación más que libre y con dirección de Miguel del Arco, ha vuelto a subirse a un escenario, el del Pavón Teatro Kamikaze, entre el 9 de agosto y el 3 de septiembre, para celebrar el primer y venturoso año de vida del proyecto que da nombre al teatro que, junto al mismo DelArco pilotan también Israel Elejalde, Jordi Buxó y Aitor Tejada. El éxito de la propuesta repite el de La Abadía hace dos años, dentro del proyecto Teatro de laCiudad, junto a la Medea de Andrés Lima, y Edipo rey, en versión de Alfredo Sanzol.

La tercera temporada de 'Better call Saul' ha llegado a su fin, al igual que uno de sus personajes principales. También ha significado el regreso de Jimmy McGill justo cuando parecía a punto de convertirse definitivamente en Saul Goodman.

((ATENCIÓN SPOILERS))