Crítica de teatro

Escrita y dirigida por Alfredo Sanzol (Premio Nacional de Literatura Dramática 2017 y reciente premio Valle-Inclán de Teatro), en el Pavón Teatro Kamikaze acaba de estrenarse su última obra, 'La valentía', una producción de LAZONA y El Pavón Teatro Kamikaze. Comedia divertidísima, 'La valentía' está interpretada por Inma Cuevas, Estefanía de los Santos, Jesús Barranco, Francesco Carril, Font García y Natalia Huarte.

Ester Bellver (Rinoceronte, Montenegro, Todos a la una, Protagonizo, Ternura negra…), es una de esas figuras repletas de talento en las tres últimas décadas de la escena española que, como el Guadiana, discurre menos de lo que debiera a cielo abierto, aunque reaparece ahora ante el público madrileño con una pieza que ella misma ha escrito y que dirige e interpreta a la vez: 'Réquiem'. Puede verse en el Teatro Fernán Gómez hasta el 27 de este mismo mes de mayo.

El sonido intenso, brutal, inesperado, enérgico y ancestral del tambor africano rompe -destroza, incluso-, la armonía decimonónica del piano de cola que emite suaves acordes, evocadoras baladas de una tierra lejana repleta de aventuras aún por vivir, aún por escribir, aún por relatar (José Luis Franco y Ass Sabar en al piano y la percusión). Ese es, para mí, el momento clave de la nueva propuesta de Darío Facal, una adaptación teatral de 'El corazón de las tinieblas', la mítica novela de Joseph Conrad (1857-1924), ahora llevada al escenario de los Teatros del Canal de Madrid.

Los espectadores, de pronto, nada más acceder a la Sala Tirso del Teatro de la Comedia, se ven convertidos en improvisados comensales de un banquete. Los mismos actores del montaje, trasformados aquí en maestros de ceremonia, van colocándolos en torno a una mesa alargada en forma de U recubierta con un elegante mantel blanco. Sobre ella, geométricamente distribuidas, botellas de buen vino, mosto y agua esperan a los invitados que moderadamente van vertiendo sobre las copas y dando cuenta de ellas desde el mismo momento de sentarse a la mesa.

Dos parejas de octogenarios -Dani, Sandra, Alberto y Margarita-, con la muerte ya en su horizonte vital, se erigen en protagonistas de una historia que narra sus propias vidas, que tienen más elementos en común de lo que parece a primera vista. Así nos lo van haciendo saber otros cuatro narradores, dos hombres y dos mujeres, de quienes no conocemos nada, pero que parecen erigirse en la conciencia colectiva de las dos parejas de octogenarios enamorados.

La voz de Pablo Canosales, autor y director de 'La boda de tus muertos', que estos días puede disfrutarse en los Teatros Luchana, es una de las más lúcidas y singulares de entre los jóvenes dramaturgos. Su reciente estreno tiene como fondo las relaciones familiares, tan dulces por fuera y tan corrosivas por dentro. En su pluma veo reminiscencias del esperpento de Valle-Inclán pero también de la más acida y corrosiva tradición de las comedias de Jardiel o Mihura, y del cine de Berlanga o de Buñuel. Su comedia, también con claros tintes de drama, está preñada de iberismo de principio a fin.

Combina la narración y el drama y la pieza bebe tanto de lo cinematográfico como de lo teatral. En ella hay constantes toques de humor y guiños al thriller y combina la investigación de la escritura y la vida misma, y todo en un viaje interior y exterior que emprende Javier, un dramaturgo que se desplaza de Valencia a Palermo, con la firme decisión de escribir una comedia sobre la telebasura, pero que el azar, el destino, el aburrimiento o la atracción sexual -o todo a la vez- le llevan a abrazar involuntariamente la investigación del asesinato de las niñas de Alcàsser.

El Teatro Español de Madrid ha acogido, en cuatro funciones, entre el 13 y el 15 de abril, la obra 'La fureur de ce que je pense' (El furor de mi pensamiento), con textos de la novelista canadiense Nelly Arcan en un montaje dirigido por Marie Brassard. El espectáculo es un homenaje tan hermoso como duro que hace la directora a Arcan, que se suicidó en 2009, con 36 años, después de haber ejercido la prostitución de lujo como forma de financiarse los estudios de Literatura. Pero la literatura no bastó para detener el fracaso y el infierno en el que discurría su vida, a pesar de haber llegado a obtener el reconocimiento como escritora, ya que fue finalista de los premios Médicis y del Femina.

La compañía Nao d'Amores, con Ana Zamora al frente -su directora-, lleva ya 17 años rescatando textos y autores olvidados, o casi, que, sin embargo, han tenido una importancia capital en nuestra cultura, por unas u otras causas. Sus montajes son siempre un aldabonazo a la conciencia dormida de los españoles que, por una especie de conjuro secular autodestructivo, miran siempre hacia otro lado cuando se trata de ponderar su propia cultura. El último en llegarnos, 'Europa, que a sí misma se atormenta', del humanista segoviano Andrés Laguna lo estrenó en 2017 y nos llega ahora al Teatro de La Abadía, poco después del paso por La Comedia de su incontestable Comedia Aquilana, de Torres Naharro (https://www.diariocritico.com/teatro/comedia-aquilana-critica)

La angustia vital no nos abandona. Ahora hace mella también entre nuestros jóvenes, agobiados, derrotados, frustrados y obligados a emigrar en una España que se niega a sí misma. Nada es que no haya sido y que no será. Los castillos de naipes que nuestros jóvenes se han ido construyendo durante muchos años (jijí, jajá, carpe diem, etc.), de pronto, han caído también porque la ley de la gravedad -incluso la vital- es inexorable: o se acepta, o acaba destrozando a quien se niega a admitirla. Este es el tono de 'Scratch', un hermosísimo montaje que parte de un interesante texto de Javier Lara. El producto final, seguro que después de muchas horas de reflexión y trabajo entre las compañías Grumelot y Teatro en Tránsito, fue estrenado en Frinje’16 y ahora vuelve a los escenarios.

Eva, una chica preadolescente, tiene que enfrentarse a la vida, unas veces al lado, y otras frente a su madre, que ahora padece un cáncer avanzado y, día a día, se debate entre la vida y la muerte. Esa intensa relación madre-hija, interpretada por tres actrices que representan otras tantas fases en el crecimiento de Eva (niña, adolescente y joven), es lo que se viene a contar en tres monólogos sucesivos, en 'Mamá', el primer proyecto escrito y dirigido por Sarah Lena, que ahora se representa cada martes en la Sala Lola Membrives, del madrileño Teatro Lara.

Interpretada por unos divertidos Cristina Bertol, Josep Maria Riera, Horten Soler y Montse Gabriel, acaba de estrenarse en la Sala Nave 73 'Amor Fati o cómo llegué a operarme de glaucoma', el primer texto de Yaiza Ramos, una comedia insolente y cínica, en un montaje muy dinámico que ella misma dirige. Se trata de un texto de autoficción -también, al parecer, con bastante de autobiográfico-, y con dosis de realismo y surrealismo a partes iguales en donde se cuenta cómo ve una adolescente (el alter ego de Yaiza Ramos) la fatalidad de descubrir que los malditos genes son los causantes del glaucoma que padece.

¿Has pensado alguna vez si tu integridad personal, tu honestidad profesional, tu lealtad y hasta tus principios éticos y morales podrían quebrarse alguna vez por cierta cantidad de dinero? En otras palabras, ¿crees que no se te puede comprar, que no hay forma de doblegarte, que estás vacunado contra la corrupción? No te respondas aún. Mejor, pásate por los Teatros del Canal antes del próximo 1 de abril para ver 'Mammón', un montaje teatral de Nao Albet y Marcel Borràs, tándem artístico desde 2007 y Premio El Ojo Crítico de RNE de Teatro en 2016. Los autores firman y dirigen este espectáculo que también protagonizan junto a Irene Escolar, Ricardo Gómez y Manel Sans.

El 3 de agosto de 2015, la Agrupación Señor Serrano fue galardonada con el León de Plata de la Bienal de Venecia por una propuesta escénica absolutamente innovadora, A house in Asia, que mezclaba ante el espectador vídeo-proyecciones, maquetas, manipulación de vídeos en tiempo real y redes sociales. “La realidad misma en forma de ficción, o la misma ficción que imita a la realidad difuminando cualquier tipo de barrera entre esta y aquella”, decíamos en nuestra crítica al respecto de la obra galardonada (https://www.diariocritico.com/teatro/a-house-in-asia-critica).

Una gran cortina blanca, que delimita el espacio de una habitación de hotel, en medio de la cual hay una silla con un pijama colgado y un par de zapatos viejos debajo de ella. Ese es todo el atrezzo que configura el escenario de 'Re-cordis', la propuesta del Teatro de las Culturas (antiguo Teatro del Arte) en su recién iniciada andadura. Es el espacio que habita un actor, Alberto Amarilla, para deambular durante hora y media de monólogo ininterrumpido, por el camino de sus recuerdos (personas, situaciones, personajes), porque el hombre se encuentra allí, en medio de la habitación de un hotel que desconoce, enclavado también en un espacio y tiempo desconocidos porque ha perdido la memoria. Conocemos todos estos extremos después de unos minutos de silencio en donde un hombre, que ha salido en ropa interior al escenario, después de colocarse el pijama, responde a un par de llamadas telefónicas, a las que contesta a través de los dos zapatos y por las que el espectador averigua, además, que tiene una hija que lo anda buscando, aunque él no la recuerda tampoco.

Con sentido del humor puede hablarse de todo, absolutamente de todo. Ni el mito griego de ‘Edipo’, que Sófocles recogió en su tragedia de ese mismo título, se salva de esta regla gracias a los portugueses Companhia do Chapitô que presentó la semana pasada su versión en Cuarta Pared, dentro del Festival de Otoño a Primavera (FOP). Y la Companhia do Chapitô es “reincidente” porque son ya más de dos décadas y 31 espectáculos los que tiene en su haber, y con todos ellos ha revolucionado la escena portuguesa y de medio mundo con sus creaciones repletas de inteligencia y sentido del humor para poner en solfa la realidad personal, social y política que toca de cerca al hombre de hoy, que es tanto como decir el de ayer o el de mañana.

Casi nada es lo que parece. Menos aún en 'Los empeños de una casa', de la escritora mexicana Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695), -Juana Ramírez de Asbaje antes de profesar como monja-. Ni su figura literaria, ni la mujer, ni su ajetreada vida pueden pasar inadvertidas en pleno siglo XVII, ni a uno ni a otro lado del Atlántico. ¡Ya les gustaría a muchas mujeres (y hombres), de hoy en día llegar a parecerse un poco a Sor Juana! A los tres años ya leía, y eso que en aquella época no era nada habitual que las mujeres accedieran a la cultura. Joven brillante, culta y admirada, su poesía, ingeniosa, elocuente y expresiva, la convirtió en la personalidad más destacada de las letras virreinales del siglo.

No basta con ser malo. Hay que saber venderse. La competitividad y el marketing ha llegado hasta las letras del teatro clásico por mor de estos 'Malvados de Oro' del teatro español, un monólogo que ha subido estos días al Pavón Kamikaze, escenario que frecuentaba el único y estupendo intérprete de la pieza, Daniel Albaladejo, en su época de integrante de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), en esos años en que esta tenía su sede provisional en el teatro de la calle Embajadores, y, a su vez, Daniel formaba parte de su elenco.

Intersecciones entre realidad y ficción, actor y personaje, pasado y presente son los múltiples puntos de vista que ofrece la brasileña Christiane Jatahy. En 'E se elas fossem para Moscou?' (¿Y si ellas fueran a Moscú?), basada libremente en Las tres hermanas de Chèjov, aquí reinventada, que constituye un hermosísimo espectáculo a caballo entre el teatro y el cine, en un diálogo fértil, inesperado, sorprendente y más que inteligente entre ambas artes en cuya mezcla se completa el puzle de la realidad, de la ficción, de los sueños, del placer, del dolor, de la alegría y la tristeza, en una verdadera fiesta para los cinco sentidos. Este podría ser el resumen de un espectáculo en portugués con subtítulos en español, de cuatro horas de duración (45 minutos de descanso incluidos), que se pudo vivir el pasado fin de semana en las Salas Verde y Roja de los Teatros del Canal de Madrid.

La singular e inteligente mirada del dramaturgo José Sanchís Sinisterra sobre Las tres hermanas, la obra teatral más representada de Anton Chèjov, puede verse hasta finales de febrero en la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez de Madrid. Para que no haya ninguna duda sobre su intención y resultados, el maestro valenciano del teatro ha titulado su trabajo dramatúrgico 'Las tres hermanas. Deconstructing Chèjov' porque ha reducido a lo esencial la obra universal, y ha acortado el número de personajes, dejando solo tres (las hermanas, por supuesto), aunque lo medular del drama sigue siendo perfectamente reconocible.

Antonio Machado, probablemente dijo más de una vez a sus alumnos aquello de que "Nunca perdáis contacto con el suelo, porque solo así tendréis una idea aproximada de vuestra estatura". Si es así, Esther Santos, autora y directora del montaje 'Puntos suspensivos' es una mujer muy grande. Su obra es pura sencillez, pura realidad en donde cualquiera –y más aún si es mujer- podrá verse reflejado en la fábula que propone.

Teatro esencial, de una belleza sublime, que emana paz, que envuelve de armonía al atónito espectador, y con una aparente y pasmosa sencillez, pero de una profundidad mística y una emoción panreligiosa que estremece. Todo esto y mucho más es 'El árbol', el espectáculo de Odin Teatret en montaje dirigido por el italiano Eugenio Barba, que construye una crónica de nuestro tiempo de horror y de guerras constantes y cada vez más horribles con el que la compañía cierra su Trilogía de los inocentes, después de La vida crónica y Las grandes ciudades bajo la luna, también representadas en el Teatro de la Abadía de Madrid.

En su décimo aniversario como compañía, y después de haber conseguido producir con éxito 15 espectáculos, la gallega Voadora ha estrenado en el madrileño Teatro Valle-Inclán su versión de ‘Sueño de una noche de verano’, de William Shakespeare, adaptada por el dramaturgo chileno Marco Layera y dirigida por Marta Pazos. El montaje ya ha sido representado en 30 ocasiones en escenarios de España y Portugal y, además, tiene prevista una gira de 26 actuaciones más en distintos auditorios de Galicia para luego presentar esta misma versión en castellano en el Teatro Principal de Zaragoza (31 de marzo y 1 de abril).

El dramaturgo norteamericano Edward Albee (1928-2016), tiene ahora mismo dos de sus obras en la cartelera madrileña. Por un lado, y en el Teatro Lara, su primera obra en un acto, 'Historia del zoo' (1959), recuperada ahora por el maestro José Carlos Plaza en la dirección; y por otro, ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1962), de la que hemos hablado en estas mismas páginas recientemente (https://www.diariocritico.com/critica-teatro-quien-teme-a-virgina-woolf-sala-arte-y-desmayo). Ambos montajes son extraordinarios porque muestran al Albee más auténtico, el dramaturgo cuyos personajes padecen por su incapacidad o desgana para comunicarse de modo significativo o relacionarse unos con otros.

No solemos echar mano de la historia para entender mejor el presente. Claro, que así nos va. En España, por ejemplo, ¿cuándo y cómo surgió la toma de conciencia de la mujer para exigir sus derechos? Sí, vagamente podemos decir que a principios del siglo XX, pero en el mejor de los casos nos pueden venir un par de nombres de mujeres intelectuales sobre cuyos hombros echaríamos mucha más responsabilidad de la que, seguramente, les corresponde…