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     19 de marzo de 2024

Teatro

> “Los humanos somos fanáticos constructores de mitos”
> “Cuando varias personas debaten en torno a una idea que se propone en un montaje, aparece el sentido trascendente del teatro”
> “Todo primer borrador es, en esencia, un material fallido”

22/10/2019@09:45:36
Afable, sencillo, incisivo, extrovertido, vital, metafísico y realista a la vez, el argentino Mauricio Kartun (San Martín, 1946), es todo un referente del teatro latinoamericano. Más de 40 años de oficio en el teatro lo contemplan -debutó en 1973 con Civilización… ¿o barbarie?-, y buena parte de esa sabiduría está reconcentrada en Terrenal. Pequeño misterio ácrata, la obra que agotó todas las localidades en el madrileño Festival de Otoño 2017, y que este año ha vuelto al Teatro de La Abadía del 17 de octubre al 3 de noviembre con idénticas perspectivas.

Escuelas de Teatro

  • “El poder de seducción del actor reside esencialmente en su voz y en su mirada”
  • “El teatro español está hoy mucho peor que hace 30 años”
  • “El 95 por ciento del teatro de este país es un teatro naturalista, sin energía”

31/07/2019@09:51:20
En nuestro tiempo, al menos tres artistas universalmente conocidos tienen su cuna en Úbeda, Jaén: Joaquín Sabina, extraordinario músico, poeta y vividor; Antonio Muñoz Molina, novelista genial de nuestra lengua, y un tercero, Ricardo Iniesta (1956), hombre integral de teatro, que recibió el Premio Nacional de Teatro hace ahora diez años como fundador de la Compañía Atalaya–TNT, uno de los más longevos y geniales grupos del teatro español, que lleva paseando sus propuestas por medio mundo desde hace ya más de tres décadas (1986). Y, si el aula de Música ubetense lleva el nombre de Sabina y la biblioteca el de Muñoz Molina, al aula de Teatro -no podía ser de otro modo- se le bautizó hace unos años con el de Ricardo Iniesta.

Escuelas de Teatro

  • “No hay otra forma de aprendizaje que no pase por el error”
  • “Si el actor se queda pegado al personaje podría acabar neurotizándose”
  • “Me molestan profundamente la frivolidad y el esnobismo”

26/07/2019@09:34:35
Le gusta más hablar de lo humano que de lo divino, de entrega que de humildad. Ama profundamente la sabiduría y cree que su mayor carencia es la de no haber sabido superar la culpa de estar viva. Y, aun a sabiendas de que se autoengaña, le habría gustado que sus hijos no hubieran seguido su camino y que se hubieran dedicado a la docencia, a la investigación, aunque también es cierto -nuestra interlocutora reflexiona en voz alta- que, "cuando eres minero, haces algo concreto y te pagan por ello, pero luego pueden echarte; cuando eres catedrático, puedes toparte con la imposibilidad de ejercer tu libertad de cátedra; cuando eres científico, lo mismo no puedes investigar porque te faltan los medios... Pero a mí me vieron siempre tan feliz con lo que hacía que era difícil que no siguieran también mi camino". Quien así habla es Cristina Rota, un nombre que se asocia ineludiblemente al de la Escuela de Interpretación que lleva su nombre.

  • "Para ser un buen profesional del teatro hay que saber mucho, y haber pisado muchas tablas"
  • "Formamos actores de ruta, de carretera y de furgoneta"

18/07/2019@10:56:21
Licenciado en Ciencias Políticas y Sociología por la Universidad Complutense, y con estudios en Contabilidad Financiera en la Cámara de Comercio de Madrid, David Fraile, director pedagógico de Cuarta Pared, no se consolidó profesionalmente dentro del ámbito del teatro hasta que no cumplió la treintena. Desde entonces y hasta hoy, el teatro ha sido y sigue siendo su pasión, su vida, su eterno, esforzado y gozoso día a día, que fundamentalmente ha dedicado a la Escuela de teatro Cuarta Pared. “Desde el principio, tuvimos muy clara la conciencia de autofinanciación”, comienza diciéndonos Fraile para explicar el milagro de una escuela de teatro con más de tres décadas de historia que hoy aglutina a más de mil alumnos de todas las edades”.

Escuelas de Teatro

04/07/2019@07:45:00
> "Desde las ESAD(s) y la Administración Educativa convendría hacer un ejercicio de reflexión crítica para tratar de buscar fórmulas de conexión de la enseñanza artística con el mundo real de la profesión"
> "De lo contrario, la enseñanza teatral quedará limitada a un mero ejercicio de academicismo fósil
> "¿Cómo es posible que los directores de escena, dramaturgos o actores del momento no estén vinculados a las instituciones superiores de enseñanza?"

  • "Todo lo hago con el cuerpo y con el alma"
  • "La danza y el teatro construyen infinitas imágenes sobre una realidad que no deja de ser única..."
  • "Hay que tener siempre muy en cuenta el punto de vista del intérprete"

22/04/2019@12:02:46
Ana Catalina Román ha estado vinculada a la danza desde siempre. Aunque comenzó a bailar siendo aún más niña, fue con Ana Lázaro, su primera gran maestra de danza, donde su pasión acabó por convertirse en vocación. Con ella estudió en el Conservatorio de Danza de Madrid desde los siete a los quince años, compaginando sus estudios con la subida a los escenarios. Más tarde, realizó dos años de estudios reglados en Stuttgart, John Cranko Tanz-Akademie, donde sobre una base sólida de técnica clásica se metió de lleno también en otros estilos de danza muy distintos: contemporáneo, jazz, danza de carácter y danza española. En sus dos años de contratación en la compañía de danza de Gelsenkirchen (Alemania) profundiza en la técnica de Graham pura. Más tarde y durante 20 años -desde principios de los 80 hasta el año 2000-, bailó en el Ballet de Frankfurt con el prestigioso coreógrafo norteamericano William Forsythe. Muy inquieta intelectualmente, y siempre con ganas de emprender nuevos rumbos, cursó el Master de Artes Escénicas en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, y estudió también Cine de Animación, lo que le proporcionó una formación complementaria muy valiosa en materias como teoría de la imagen, estudio del movimiento, imagen de animación cinematográfica, ritmo, y muchos otros aspectos que después ha ido aplicando a la composición y creación coreográficas.

> “Mi relación con el teatro es mi relación con la verdad”
> “El concepto de vanguardia está ya muy devaluado”
> “Ahora se escucha poco…”

05/04/2019@09:32:35
Casi cuatro décadas después de que la actriz, escritora y directora de escena andaluza Sara Molina (Jaén, 1958), abriese el pálpito de su alma en pos del teatro; mucho después de haber actuado en docenas y docenas de ocasiones y de haber firmado unos 40 montajes como directora de escena (Imperfecta armonía, Made in China, Mónadas, Senecio Ficciones...), y de ser una de las pioneras de la entonces llamada vanguardia teatral en España, la primera curiosidad que nos ataca es la de conocer cómo ha ido cambiando en ella su concepto de teatro con el transcurso del tiempo, qué comenzó viendo en él, y qué ve hoy...

  • "Me parece maravilloso poder captar las emociones, la humanidad que está al otro lado de la cámara"
  • "Hay que arropar la imagen y volver a tratarla artesanalmente porque no todo vale"
  • "Con las digitales, no tener que pasar por el laboratorio hizo que a los fotógrafos se nos soltara mucho el dedo"

29/03/2019@10:35:08
Fotógrafo autodidacta y vocacional, Sergio Parra (Madrid, 1971), es hombre afable, sereno y locuaz, pero no de los que hablan por hablar. Sus respuestas a nuestras preguntas vienen siempre tras un breve espacio de tiempo, el suficiente para afinar el pensamiento, para ajustarlo a la palabra precisa porque, después de 20 años de profesión (“unas 80.000 fotografías analógicas y varios cientos de miles en digital…”), orientada exclusivamente –o casi- a la fotografía en las artes escénicas, ha concluido en que es tan cierto el aserto de que ‘una imagen vale más que mil palabras’, como el contrario, es decir que ‘una palabra puede valer por mil imágenes’. Todo depende. De la imagen, de la palabra, de quién la pronuncia, de la intención y del momento.

18/03/2019@08:36:49
Jóvenes de nueve institutos de secundaria de Madrid ponen sobre los escenarios obras de teatro de creación propia en torno a la trata de personas con fines de explotación sexual. Esta tercera edición del Festival Piel con Piel consolida un espacio joven en el festival Ellas Crean.

> “Hay que tratar de diseñar las cosas de forma que todo sea más llevadero”
> “La técnica de maquillaje del actor, básicamente es la misma que se utiliza en Bellas Artes”

17/03/2019@11:03:31
Olaya Brandon ha pasado de la moda al diseño de caracterización con la misma naturalidad que uno se cambia de carril en una autovía. Nació en Santiago de Compostela hace 34 años y allí estudió Diseño de Moda en la escuela de arte EASD Mestre Mateo, que luego completó en la Escuela Superior de Diseño de Madrid. Más tarde, también en Madrid, se formó en la rama de caracterización, maquillaje y peluquería de cine, teatro y moda tanto en el Instituto del Cine de Madrid como en Workshop experience (Universidad Juan Carlos).

  • “El boom de los nuevos dramaturgos sigue siendo machista”
  • “Esta es una profesión que duele”
  • “La ficción también construye el mundo”
  • “Aspiro a que mi discurso sea cada vez más esencial y, aunque sea complejo, resulte sencillo entenderlo”

04/03/2019@10:59:17
Lola Blasco (Alicante, 1983), obtuvo el Premio Nacional de Literatura Dramática 2016 por su obra Siglo mío, bestia mía, publicada un año antes. La misma autora calificaba su obra como poética, muy melancólica y poblada de personajes que van a la deriva: “Es postidealista, con el desconsuelo, el desamor, el fracaso o la imposibilidad de ver al otro como temas, en un mundo en crisis, donde el terror y la violencia se apoderan de todo y no somos capaces de amar". Lo cierto es que ya estamos en 2019 y Siglo mío, bestia mía aún no ha subido a un escenario y quizás esto explique su cierto desaliento y que se replantee cíclicamente su continuidad como dramaturga. Y eso que comenzó muy pronto a publicar y, desde luego, su obra tiene un lugar indiscutible en la dramaturgia española actual. Suyas son, entre otras, Pieza paisaje en un prólogo y un acto (2010, Premio Buero Vallejo); En Defensa: Un concierto de despedida (2012); Los hijos de las nubes (2013); Ni mar ni tierra firme: tres monólogos sobre La Tempestad (2014) y, más recientemente, Canícula; Fuegos (2018, Premio de la Crítica Valenciana) y La armonía del silencio.

> “Nunca acabaré diciendo a mis hijos aquello de ‘¡ya te lo dije!’” (Pepe)
> “Saco siempre de mis personajes todo lo que me aportan y, al mismo tiempo, lo que yo soy, se lo doy a ellos” (Elena)
> “Querría tener descendencia, pero viendo cómo van las cosas en el planeta Tierra, me echo un poco para atrás” (Samuel)
> “Mi madre me dijo que si quería dedicarme a esto del teatro, ya podía ir dejando de llorar porque vas a tener que ir acostumbrándote al ‘no’ durante toda

20/02/2019@14:15:43

No es fácil reunir a los cuatro miembros de la familia porque cada uno de ellos tiene su propia y ajetreada vida profesional. Lo seguro durante los últimos años es encontrar a uno o a otro –cuando no todos a la vez aunque, eso sí, en distintos montajes-, sobre un escenario (entre otros, Mármol, De buena familia, Rinoceronte, El burlador de Sevilla, La ternura, Enrique VIII, El viaje a ninguna parte, El chico de la última fila o La respiración…), en series de televisión (Aida, Acacias 38, Servir y proteger, Olmos y robles o Matadero…) e, incluso, en alguna película. Pero los cuatro, Pepe Viyuela, Elena González, marido y mujer, y con una sólida y prolongada carrera como intérpretes, y sus hijos Samuel y Camila Viyuela González, tienen algo más en común: son actores de oficio que basan su satisfacción personal y profesional en el trabajo continuado y, además, no se dejan deslumbrar fácilmente por el brillo de la fama.

- “No entiendo a la gente que loa por loar, ni a la que destroza por destrozar”
- “No me corto ni debajo del agua… Eso sí, intento opinar solo cuando me preguntan”
- “El periodismo digital tiene ahora mucha, mucha, mucha importancia”

12/02/2019@10:20:06
A finales de agosto pasado, cuando termina una temporada teatral y comienza otra, María Díaz, periodista especializada en las artes escénicas, suelta un correo con la relación de espectáculos sobre los que te va a informar en el próximo cuatrimestre. Los conté por curiosidad, y eran unos 25 (entre ellos Lehman Trilogy, Cuzco, La historia del zoo, El maestro Juan Martínez que estaba allí, Iphigenia en Vallecas, Donde el bosque se espesa, ¡Ay, Carmela!, Juguetes rotos…).

  • “Mi labor principal es la atención a los espectadores, por un lado, y a las compañías, por otro”
  • “Hay que tenerlo todo muy bien preparado, porque siempre puede surgir algún imprevisto”
  • “Hay mucha diferencia entre unas y otras salas de teatro y eso lo sufren en carne propia las compañías”
  • “Para que un espectador pueda sentarse a ver un espectáculo, ha habido antes un inmenso trabajo”

30/01/2019@10:24:03
Licenciada en Sociología por la Universidad Complutense de Madrid y feminista militante, Belén García es la jefa de sala de los Teatros Luchana desde poco después de que este espacio multisalas abriera en la capital de España, y de eso hace ya cuatro años. Su amor por el teatro es tal que, cuando toma vacaciones, o días libres, suele ser para acudir a ver alguna función en otras salas.

  • "La cultura sigue siendo un hermano pobre de la identidad española"
  • "Me gusta mucho el salto técnico que supone transitar entre el cine, el teatro y la televisión"
  • "No creo en ninguna escuela concreta. Hay muchos caminos para llegar a la verdad…"

25/01/2019@08:37:24
Fernando Cayo nació en Valladolid, un mes antes de aquel mayo de 1968, el año que los estudiantes parisinos se lanzaran en tromba a la calle reivindicando una revolución social que no se sabe muy bien si llegó a cuajar de verdad, pero lo cierto es que aquella fue una generación que removió el mundo y marcó toda una época. "Quizás mi espíritu de lucha venga de ahí", nos confiesa el actor a quien, traspasada ya la cincuentena, acaba de recibir la buena noticia de que en 2019 estará grabando la tercera parte de La Casa de papel, la serie en español más vista de Netflix en todo el mundo ("incluso se está doblando ya al inglés cosa que antes no se hacía").

  • “¡Hay que leer!, ¡en papel, en una Tablet, o en lo que sea, pero hay que leer, y dejarse ya de tanto videojuego!”
  • “No hay nada peor que un espectador muerto, o un actor muerto encima del escenario”
  • “Utilizo un perfume distinto para cada personaje. Si no tengo ese olor que he elegido para él, no me siento bien”

09/01/2019@11:23:39
Hija de actores, nieta de actores y bisnieta de actores, Nuria Gallardo (Madrid, 1967), no concibe la vida sin pisar un escenario: “esto es un veneno, ya lo sabes, y no se puede dejar hasta la muerte”. No en vano, hace ya 42 años que lo ha venido compartiendo con tres generaciones de actores: la de sus padres, Manuel Gallardo y María Jesús Lara, la suya, y la actual. Entre muchas otras figuras del teatro, ha actuado con José María Rodero, Guillermo Marín, José Bódalo, Encarna Paso, Berta Riaza, Agustín González, Carlos Lucena, Joaquín Notario, Manuel Galiana, Carlos Hipólito, Helio Pedregal, Blanca Portillo, Marisa Paredes, Chema Muñoz o Luisa Martín…

  • “El teatro sirve para verte, para ver al ser humano sin la pose, sin esa mejor cara de mí misma que pongo ante el espejo…”
  • “Trato de buscar la psicología que tiene el color”
  • “Iluminar en cine me aburre soberanamente”

03/01/2019@07:47:23
Hace casi dos décadas dejó la danza y el escenario por otra pasión que descubrió muy pronto, casi nada más entrar a estudiar Arte Dramático. Desde entonces Lola Barroso –premio Max 2018 al Mejor Diseño de Iluminación por el montaje ‘Furiosa Escandinavia’-, no ha dejado de iluminar, sobre todo en la danza y en el teatro, compatibilizando su actividad con la docente. En el Centro Universitario de Artes TAI -entre la madrileña Puerta de Alcalá y el Paseo de Recoletos-. En la recepción del centro, nos recibe la artista y profesora que, hasta llegar al aula donde mantendremos una charla distendida y sin prejuicios, no para de saludar, sonreír y ser saludada por un buen número de profesores y alumnos que pululan por los pasillos y las escaleras en lo que, probablemente, constituye algún descanso entre clase y clase.

  • "Los vanguardistas nos ven como convencionales, y los convencionales como vanguardistas"
  • "Es verdad que fuimos artísticamente ambiciosos, pero es que hay que serlo"
  • "Todo nuestro trabajo ha tenido siempre mucho que ver con el hecho de pasar mucho tiempo juntos"

21/11/2018@11:52:20
Nació como compañía modesta, decidida, ilusionada, disciplinada, renovadora –incluso, teatralmente hablando, hasta revolucionaria-, y constante. Probablemente en el mejor de sus sueños, Itsaso Arana (Tafalla, Navarra, 1985), Violeta Gil (Segovia, 1983) y Celso Giménez (Valencia, 1983), –el núcleo original de La Tristura (Madrid, 2004)-, no pensaron en ese momento que podrían seguir así durante casi tres lustros. Pero aquí siguen, decididos, valientes, originales, atrevidos, humildes y huyendo de las etiquetas, de las modas, de los movimientos artísticos aunque eso sí, haciendo siempre un teatro personalísimo, equidistante de la modernidad y la tradición y con un principio fundamental en sus montajes: hacer de la emoción, de la sacudida interior del público, el norte de sus espectáculos.

  • "Para nosotros cada día, cada función es un estreno"
  • "No hay cosa que más destroce a los actores, o a los equipos artísticos y técnicos que un regidor se ponga nervioso"

15/11/2018@10:43:21
Rosa Postigo (Zaragoza, 1960) es regidora en la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) desde 1997. Quiso haber estudiado Periodismo pero no lo hizo por puras razones económicas. Entonces no había más Facultades que las de Madrid y Barcelona, y su familia no podía permitirse el lujo de mantenerla estudiando fuera de Zaragoza. Esa circunstancia la forzó a matricularse en Filología pero Rosa no terminó la carrera. Un hijo (hoy es músico profesional) a los 20 años fue una razón poderosa para no seguir: “he llegado demasiado pronto a las cosas...", reflexiona ahora con la perspectiva del tiempo. Su marido, un profesional también vinculado al teatro, muchos años después, apoyó abiertamente que Rosa retomase sus estudios. Solo que en esta segunda ocasión fueron de piano, italiano, inglés y chino. La zaragozana y madrileña se desquitaba así de un pequeño revés que le dio el destino...

  • "Hay un punto que da la videoescena que no lo dan las otras disciplinas del teatro"
  • "Algunos directores jóvenes quieren integrarla en sus montajes a toda costa, sin ningún tipo de medida..."
  • "En ciertos estamentos no hay un reconocimiento real del videoescenista"

04/10/2018@13:32:57
El profesor de la Université Laval de Québec (Canadá), Luis Thenon, hace sólo un par de décadas, acuñó un nuevo término que, desde entonces, no ha dejado de utilizarse -en mayor o menor medida- en las artes escénicas: la videoescena. Con él se aludía a la utilización de lo audiovisual en las artes escénicas. En general, con ese concepto se hace alusión al empleo de imágenes sobre una pantalla situada en el escenario, referidas a una situación o a un personaje, que vienen a ser una especie de huella de lo que fue, de lo que pudo haber sido, de lo que puede que sea..., pero no de lo que es porque eso ya está pasando en escena, en tiempo real y delante del espectador. La imagen sobre la pantalla se convierte así en un elemento significante y significador a través de un lenguaje expresivo cuya utilización comienza ahora a generalizarse sobre el escenario.

> "El sonido es música y la música es sonido"
> "Todavía hoy cuesta mucho hacer entender el papel del sonido en los montajes teatrales"
> "El uso de la microfonía no devalúa nada el teatro"

24/09/2018@14:47:57

Licenciada en Imagen y Sonido por la Universidad Complutense de Madrid en 1995, Sandra Vicente (Madrid, 1972), lleva vinculada profesionalmente al mundo del sonido más de dos décadas y muy pronto descubrió que vincular su pasión al mundo de las artes escénicas, duplicaría su placer a la hora de trabajar. Hay gente que trata de edulcorar su actividad buscando nombres más ampulosos que, al menos sobre el papel, le otorguen una mayor importancia. Sandra, sin embargo, hace honor a su sencillez, a su seriedad, a su rigor, y no está integrada en esa tribu porque a ella le encanta autodenominarse simple y llanamente diseñadora de sonido. “¿Para qué buscar otro nombre si la palabra sonido es preciosa?”.

> "Supongo que guardo una relación un tanto problemática con la realidad"
> "Tengo un temperamento más decimonónico que del siglo XXI"

15/09/2018@11:30:13
Denise Despeyroux, actriz, directora y dramaturga de origen uruguayo (“Nací el mismo día que un elefante del zoológico de Montevideo que se llamaba Leo… Llegué a España a los tres años con mis padres, y mi hermano emigrantes. En un barco de emigrantes. Después de un viaje largo…”), es también licenciada en Filosofía y esas circunstancias atraviesan su obra dramática. Denise creció en Barcelona y, desde hace ya unos cuantos años, vive, trabaja, crea y contempla el mundo con tanto interés como asombro y perplejidad desde el madrileño barrio de Malasaña. Nos encontramos con Denise hace ahora dos años, y entonces como ahora sus personajes tienen tanta necesidad de querer como de ser queridos, tienen que aprender a vivir entre sus desencuentros, sus locuras, su incomunicación, sus interferencias, sus miedos, sus búsquedas compulsivas, desesperadas y casi patológicas de sí mismos, del amor, del pasado, del presente o del futuro.

  • “Cuando miro cómo iluminar un espectáculo, primero me tiene que gustar a mí; no puedo imaginar qué es lo que le gustará o no al espectador”
  • “Hasta que no ves el primer foco encenderse sobre una escenografía, o sobre un escenario, no sabes realmente el efecto que va a producir”

30/08/2018@08:07:02
Vino por primera vez a Madrid desde Alicante, su ciudad natal, con la compañía valenciana Teatre de l’Aigua, para hacer alguna función de ¡Viva la Pepa! en la Sala Mirador. Ni siquiera tenía intención alguna de buscar trabajo en la capital y, sin embargo, lleva ya viviendo en ella más de 26 años en el noble oficio de iluminador teatral y haciendo de eso, además de su profesión, su pasión, su razón de vivir. Hablamos de Juanjo Llorens, hoy diseñador de iluminación, director técnico y docente. De una u otra forma lo suyo es poner luz al teatro, a los espectáculos de danza, de circo, audiovisuales, óperas, zarzuelas o conciertos de música rock y pop. Aunque este ‘chico de provincias’ –como el propio Juanjo se autodefine-, ha desarrollado mayormente su trabajo en España, ha salido también fuera de nuestras fronteras (Colombia, México…), y nada hay que se le resista a este hombre corpulento, sencillo, directo, locuaz, al que el teatro ha ayudado a perder su natural timidez y que se ha entregado a su profesión en cuerpo y alma, y con una extendida fama de buena gente, lo que hace que trabajar con él se convierta en un verdadero lujo.

  • “No me canso nunca de conocer todas las vertientes que tiene esta profesión”
  • “Me gusta hacer equipo, hacer grupo”

22/08/2018@13:13:01
Nacho Sánchez (Ávila, 1992), ha recibido a mediados de junio pasado en Sevilla, el Premio al Mejor Actor Protagonista en la XXI Edición de los Premios Max de las Artes Escénicas, por su trabajo en Iván y los perros, un monólogo dirigido por Víctor Sánchez en el que interpretaba a Ivan Mishukov, uno de los ‘niños de la calle’ en la Rusia del fin del comunismo. La historia, que parte de un hecho real, se convirtió en obra de teatro gracias a la dramaturga británica Hattie Naylor. A sus 26 años, Nacho se ha convertido en el intérprete más joven en lograr el premio en esta categoría. El actor abulense se impuso a los otros dos finalistas, Lluis Homar por su papel en Ricard III e Iñaki Rekarte por Soka (Cuerda), y revalida así un reconocimiento como actor que ya le llegó en 2016 en forma de premio al actor revelación de la Unión de Actores gracias a su trabajo en La piedra oscura, un montaje dirigido por Pablo Messiez a partir de un hermosísimo texto de Alberto Conejero.

  • “En la creación espacio escénica -como a mí me gusta llamar a la escenografía-, hay que renunciar a muchas cosas en favor del conjunto del espectáculo”
  • “Cada proyecto exige una metodología y un diseño únicos”

17/08/2018@12:08:28
Son tantas, que Elisa Sanz no puede precisar muy bien el número de producciones en las que ha participado como escenógrafa en sus más de cinco lustros de profesión, pero asegura que “han sido bastantes más de cien”. Aún así, Elisa no pontifica cuando habla de su trabajo como escenógrafa. Lo hace de forma sencilla, directa, como quitándole importancia, y expresando sus opiniones sin ambages de ningún tipo, preñando, además, su discurso de frases sencillas, cotidianas, desprovistas de toda afectación, y de algún que otro taco, que suelta con la mayor naturalidad del mundo...

18/07/2018@11:58:03
Lucía Miranda (Valladolid, 1982), se considera, sobre todo, directora de escena y, aunque le cueste aceptarlo, es también dramaturga (“nombrarme dramaturga, me da risa. O pudor. O un poco de todo”). Pero ahí están ¿Qué hacemos con la abuela? (2012), La zarzuela es joven y Cantando sin ton ni son (ambas en 2014), Las chicas no fuman igual y Nora, 1959 (2015) y, más recientemente, Fiesta, Fiesta, Fiesta (2016), estrenada en el Teatro Español de Madrid en abril de 2018 y con todas las entradas de la sala Margarita Xirgu vendidas antes del estreno. Una circunstancia nada habitual en el teatro madrileño de los últimos años. Acaso sea porque esta vallisoletana extrovertida, alegre y rigurosa a la vez, se ha mimetizado con la capital desde que reside en el corazón del Rastro madrileño, aunque su compañía, The Cross Border Project, y los múltiples compromisos y actuaciones, la tienen varios meses al año alejada de su casa. Esta temporada, sin ir más lejos, además de este montaje, ha dirigido la adaptación teatral de El Hijo de la Novia en el Teatro Sánchez Aguilar de Guayaquil (Ecuador) y ha colaborado con cuatro dramaturgos en País Clandestino, estrenada en el festival más importante de Argentina, el FIBA de Buenos Aires, un espectáculo que ha estado también en Santiago de Chile y en el MIT de Sao Paulo.

09/07/2018@10:39:43
Actor y director teatral, Luis Bermejo (Madrid, 1969), ama profundamente su oficio, el teatro (El Rey, El Minuto del Payaso, Vania, Los mariachis…), pero sus incursiones en el cine y la televisión le han dado el reconocimiento unánime del público a su quehacer. Nominado a los Premios Goya en 2009 como actor revelación por su papel en la película Una palabra tuya y, en 2015, como mejor actor protagonista por Magical Girl, precandidata a los Oscar. Ha trabajado también en algunas de las principales series de ficción de estos tiempos (Compañeros, Hospital Central, Amar es para siempre…).

Tras sus repetidos éxitos en Madrid, pronto de gira española

Con dos extraordinarios actores: Nacho Guerreros, el Coque de 'La que se avecina', y Kike Guaza

05/07/2018@11:35:16
Triunfadora por todos los escenarios madrileños y demás en que se ha subido, el último recientemente en el Teatro del Barrio, 'Juguetes rotos' va a continuar de gira próximamente por muchas localidades españolas. Una valentísima y magnífica obra, escrita por Carolina Román, de plena actualidad sobre las identidades sexuales y sus derechos, el 'buylling', y lo mucho que queda por avanzar socialmente. En la que Nacho Guerreros, el cómico Coque de 'La que se avecina', muestra su faceta de actor completísimo como Mario, acompañado por otro gran intérprete, Kike Guaza.

05/07/2018@10:04:04

> “No se puede consentir que los actores acepten trabajar sin contrato, sin alta y sin cobrar”
> Mi labor consiste en ayudar a que las compañías trabajen, que se muevan y que se les pueda ver en todos lados

04/07/2018@12:22:05
Tiene la ilusión de una adolescente aunque Carlota Guivernau lleva ya tras de sí bastantes años de teatro, y en diversas facetas. Comenzó como actriz, y así estuvo más de 15 años, pero luego derivó su pasión por la producción y la distribución, y ahí sigue. No en vano, es titulada superior en Producción y Gestión de Espectáculos en el CTE (Centro de Tecnología del Espectáculo), perteneciente al entonces Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

> "Se trata de crear un armazón donde se cuelgue y se realce el texto dramático"
> "En los autores noveles hay cierta contaminación de la narrativa"

21/05/2018@10:14:09
'Guía para corregir textos dramáticos', de Susana Sierra Álvarez, es un libro tan inusual como necesario. En él se reflexiona por primera vez en español acerca de la corrección de estilo y ortotipográfica de los textos teatrales. Pero, aunque orientado inicialmente a profesionales del teatro y de la edición, su lectura está también indicada para lectores de textos teatrales porque resulta francamente amena puesto que, como se indica en el subtítulo del libro, se busca «cómo enfrentarse a un texto dramático sin que sea un drama».

18/04/2018@09:51:07
El Diario Oficial de Castilla-La Mancha publicará el próximo viernes, día 20 de abril, las bases reguladoras de las subvenciones de producción de teatro, danza y circo, una línea plurianual que cuenta para este ejercicio presupuestario con una partida de 150.000 euros y que no se convocaba desde el año 2010.

> “Cuando todo se tuerce, lo único que nos queda son nuestros valores”
> “Intento llegar cada vez más lejos en la capacidad de mover al espectador”

10/04/2018@11:28:41

Sencilla, puntual, reflexiva, atenta siempre a la palabra del otro, mirada inteligente y profunda, sonrisa suave y permanentemente dibujada en la boca, un cigarro de vez en cuando, y la sensación de poder estar hablando con ella durante todo el día, si el tema es la vida o el teatro que, al fin y al cabo, es lo mismo. A Lucía Carballal (Madrid, 1984), le gustaba mucho escribir ya desde pequeña y, cuando tenía alrededor de 14 años, se inscribió en unos cursos de interpretación. “Yo, en aquel momento, creo que pensaba que quería actuar, pero no ser actriz profesionalmente... Entonces no era consciente de que pudiera existir la escritura dramática como tal. Ni siquiera sabía que se pudiera estudiar, que podía llegar a ser, incluso, una profesión… Supongo que empezaba a descubrir qué es el teatro en sí… Recuerdo que tenía una profesora que nos hacía escenificar a autores contemporáneos y, desde entonces, ya empecé a percibir que ese no era el lenguaje de los autores clásicos y empecé a preguntar quién había escrito esto o aquello… Hicimos una obra de Sergi Belbel, Caricias, y cuando la profesora me dijo que era un autor joven, que estaba vivo, para mí ese descubrimiento supuso una revelación”. A partir de ahí, Lucía descubrió que alguien más que Lope, Calderón o Tirso, seguía escribiendo teatro en nuestros días y, probablemente, eso era mucho más de lo que nunca había podido imaginar.

14/03/2018@19:18:52
La noticia de que Concha Velasco se retira del mundo del espectáculo ha corrido como la espuma. Pero no es del todo así. La noticia de que Concha Velasco se retira del mundo del espectáculo ha corrido como la espuma. Pero, ¿es cierto que deja las tablas?

> "Un artista es únicamente un transmisor de dudas"
> Distingo entre el crítico y el tasador, aquel que se limita a hacer un peritaje de lo que está viendo, dejando fuera la pasión

12/03/2018@12:56:57
Eusebio Calonge (Jerez de la Frontera, 1963), dramaturgo por voluntad propia y profundo filósofo aunque se niegue a reconocerlo, está vinculado en cuerpo y alma a la mítica compañía andaluza La Zaranda desde 1985, siete años después de su nacimiento. Se inició en ella como iluminador, pero muy pronto firmaría los textos escritos "tanto en el papel como sobre el escenario", con los que ha ganado los premios del Teatro Rojas de Toledo y del Teatro Andaluz al mejor autor y, con La Zaranda, el Premio Nacional de Teatro en 2010. Como autor y dramaturgo ha estrenado una docena de obras, representadas con su grupo en más de treinta países de tres continentes y premiadas por la crítica de Buenos Aires, Nueva York, Madrid, Barcelona o Montevideo...

20/02/2018@17:42:33
La Sala Guirau del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge Oh Cuba! un homenaje a la estancia de Federico García Lorca en la isla caribeña. Loles León protagoniza este montaje, que cuenta con más de 20 artistas españoles y cubanos en escena. Una obra lorquiana, flamenca y cubana con textos clásicos e inéditos que el poeta dejó en esa tierra.

02/02/2018@18:06:08
No solemos echar mano de la historia para entender mejor el presente. Claro, que así nos va. En España, por ejemplo, ¿cuándo y cómo surgió la toma de conciencia de la mujer para exigir sus derechos? Sí, vagamente podemos decir que a principios del siglo XX, pero en el mejor de los casos nos pueden venir un par de nombres de mujeres intelectuales sobre cuyos hombros echaríamos mucha más responsabilidad de la que, seguramente, les corresponde…